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arte

El arte de la Construcción en España. Fotografías de Ricardo Santonja

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                               Un viaggio di immagini alla scoperta dell’architettura spagnola

Mercoledì 15 gennaio, ore 19, si inaugura la mostra fotografica “El Arte De La Construcción En España” presso la Reale Accademia di Spagna a Roma, Piazza San Pietro in Montorio, 3.

La mostra resterà aperta dal 15 gennaio al 14 febbraio tutti i giorni dalle ore 10 alle ore 13 e dalle ore 14 alle ore 19, ingresso libero.

Questo percorso fotografico, che ricostruisce e celebra gli aspetti più interessanti dell’architettura in Spagna, sceglie come prima tappa la capitale italiana per poi proseguire il suo itinerario in diversi paesi d’Europa fino ad arrivare in Asia e Medio Oriente.

La mostra nasce come risultato di un progetto seguito da Ricardo Santonja per più di 10 anni alla Scuola Tecnica Superiore di Architettura di Madrid (ETSAM) dove è professore al dipartimento di  Ideazione Grafica. Questo studio, partendo dalla potenzialità della fotografia a diffondere l’architettura, ha lo scopo di costruire una propria identità di disciplina che ha come oggetto una immagine individuale non sovrapposta, ma affiancata all’opera stessa.

Siamo di fronte alla creazione di una nuova poetica visuale che, grazie al movimento della camera, si sviluppa in un’astrazione pseudo pittorica delle immagini (poemi luce).

Uno straordinario fenomeno di comunicazione artistica, capace di evocare emozioni nello spettatore e di avvicinarlo con maggiore sensibilità all’architettura d’avanguardia realizzata in Spagna dai più prestigiosi architetti, spagnoli e stranieri.

Per parlare di questi temi saranno presenti, oltre a Ricardo Santonja e Alberto Cubas, anche l’Arch. Luis Agustín (Architetto e Direttore del Dipartimento di Ideazione Grafica all’Università di Zaragoza) l’Arch. Aurelio Vallespin (Architetto e professore dell’Università di Zaragoza),  l’Arch. Alvaro Planchuelo e Pedro de la Peña (Architetto conservatore dell’Università Complutense di Madrid).


ESTACIÓN XV. STATION 15. MOSTRA FINALE ARTISTI E RICERCATORI DELL’ACCADEMIA REALE DI SPAGNA 2012-2013

DAL 17 GIUGNO AL 28 LUGLIO

INAUGURAZIONE 17 GIUGNO E DOPO FESTA PRESSO I GIARDINI DELL’ACCADEMIA

e presentazione del libro:

GUÍA PSICOGEOGRÁFICA DE ROMA: DIECISÉIS MAPAS PARA PERDERSE

(Guida psicogeografica di Roma: sedici mappe ove perdersi)

Anteprima stampa e incontro con gli artisti, 17 giugno dalle ore 11,30

 

INVITO MOSTRA BORSISTI

 

 

Il Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione spagnolo e la Reale Accademia di Spagna in Roma presentano la mostra ESTACIÓN XV- STAZIONE XV. Diciassette artisti e ricercatori spagnoli, uno scrittore argentino e un incisore italiano sono i protagonisti del complesso monumentale di San Pietro in Montorio, Convento, Chiesa, Tempietto del Bramante ed Edificio della Reale Accademia di Spagna. Un grande laboratorio di ricerca artistica nel quale si potranno scoprire le soggettive, spertimentali, personalissime, sorprendenti e meticolose reinterpretazioni della città di Roma.

 La Reale Accademia di Spagna in Roma, fondata nel 1873, ha sede in uno dei luoghi più belli della città eterna, San Pietro in Montorio sul colle del Gianicolo. Il panorama dell’antica Roma è da qui straordinario. La Reale Accademia di Spagna racchiude ricchissimi tesori d’arte e, in particolare, il Tempietto del Bramante è edificato nello stesso punto dove la tradizione indica il martirio dell’apostolo Pietro, crocifisso a testa in giù per sua stessa volontà.

Un luogo così pregnante di storia diviene, chiaramente, oggetto di ispirazione per gli artisti e i ricercatori che tutti gli anni risiedono in Accademia e qui, a giugno, presentano i loro lavori finali.

L’inaugurazione, aperta al pubblico dalle ore 20,30, vedrà in particolare due artisti misurarsi con il complesso monumentale spagnolo in Roma, utilizzato quale luogo d’espressione per le loro opere. Così è per Julio Falagàn, la cui opera “Croce Capovolta” illumina una delle finestre dell’Accademia, una croce rossa a testa in giù ricorda l’episodio della crocifissione di San Pietro. Così è per Giuseppe Vigolo: Roma, che fu tragicamente teatro di guerra, diviene oggetto d’ispirazione per l’artista italiano che proporrà alle ore 20,30 una performance davvero straordinaria “Dark Shades (Ombre di guerra)”, nella quale ombre in movimento di elicotteri, aerei di combattimento e soldati verranno proiettate sulla facciata della Reale Accademia. Vigolo, pur rifacendosi alla memoria, pone l’accento sul rapporto quotidiano con la guerra che, in ogni momento, incombe dagli schermi televisivi da quegli angoli del mondo dove ancora vivono forti conflitti. Dunque una guerra che scuote le coscienze anche se non vissuta direttamente, una denuncia in chiave artistica di come queste “ombre nere, o ombre di guerra” sono sempre vive e attive.

 

Nelle sale espositive il percorso di tutti gli artisti e ricercatori dell’anno 2012/2013: Agustín Cócola Gant, Juan Agustín Mancebo Roca,  ,  Alejandro Genés, Miguel Cuba Taboada, José Noguero, José Luis Corazón Ardura, Begoña Zubero, Ana María Mogollón Naranjo, Cecilia Ardanaz Ruiz, Enrique Martínez Lombó, Julio Falagán, María Trénor, Marisa Brugarolas, Miguel Ángel Tornero, Oriol Saladrigues Brunet, Tamara Arroyo, Carlos Contreras Elvira. La serata inaugurale vedrà inoltre nel chiostro dell’Accademia una performance di danza integrata, con la coreografia di Marisa Brugarolas.

Evento di ulteriore interesse è la presentazione del libro Guía Psicogeográfica de Roma: dieciséis mapas para perderse (Guida psicogeografica di Roma: sedici mappe per  perdersi), in questa speciale pubblicazione gli artisti e i ricercatori mettono a disposizione del lettore una forma alternativa per scoprire Roma attraverso le loro personalissime esperienze. Il lettore, ad esempio, potrà vivere per mano di un artista la ricostruzione dell’incontro fra i suoi genitori negli anni ’60. Oppure ritrovarsi in alcuni luoghi con gli occhi chiusi immerso solo nelle note di un musicista nella città rumorosa per eccellenza; potrà addentrarsi nei luoghi dell’arte contemporanea seguendo però un percorso di negozi fittizi. Potrà vivere tutti e sedici tour accompagnato dall’App che riproduce gli archivi multimediali corrispondenti ad ogni itinerario.

Estaciòn XV, Stazione XV, è la mostra che pone l’accento su una inesistente stazione della Via Crucis, una “fermata” in San Pietro in Montorio. Ma potrebbe essere anche il nome di una immaginaria stazione spaziale su Roma, in cui artisti e ricercatori fluttuano nell’orbita di una ricerca estetica che, oggi, si contestualizza nella drammaticità della crisi economica europea cui sono coinvolte anche Spagna e Italia. Crisi che, purtroppo, coinvolge duramente anche il mondo dell’arte e della cultura.


GRAN KAN* RACCONTI D’ARTISTA PER VIAGGIATORI

Mostra dal 15 al 23 maggio

INAUGURAZIONE 15 MAGGIO ORE 21.

IN SEGUITO DRINK + MUSICA

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A cura di Federica Forti – in collaborazione con qwatz (residenza per artisti a Roma), con il sostegno della Embajada de España en Italia e dell’associazione culturale Ars Gratia Artis – il progetto propone un dialogo tra le sale ottocentesche della Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma e tre artisti contemporanei messi a confronto sul tema del viaggio.

Ispirato al dialogo tra Marco Polo e Kublai Kan*, che intramezza i racconti de Le città invisibili di Italo Calvino, il fulcro del progetto fa perno sulle città di Roma, Venezia e Firenze, principali mete del Grand Tour, colte nelle soggettive visioni di tre artisti contemporanei. Nati da un progetto di residenza svolta proprio in questi tre luoghi, i tre video di Chapela, Sala e Varela dialogano con i temi e le scelte stilistiche dei tre quadri di Cremona, Induno e Fragiacomo esposti nella collezione permanente del museo, realizzando una riflessione puntuale sul senso del viaggio culturale contemporaneo.

La tela di Tranquillo Cremona, Marco Polo davanti al Gran Khan dei Tartari del 1863 (sala 6), dialoga con l’opera Fake! di Pelayo Varela in cui l’artista spagnolo riflette sulla comunità cinese che risiede nella periferia di Firenze. Pietro Fragiacomo con Squeri a san Baseggio del 1886 (sala 4) è associato a Venezia di Emilio Chapela, un lavoro dell’artista messicano sull’immagine di Venezia consumata in modo bulimico dal turismo di massa. Infine La Trasteverina uccisa da una bomba del 1850 di Gerolamo Induno (sala 5) viene associata al video Poetica de la fuga dello spagnolo Avelino Sala, una riflessione sulla guerra vista ora in chiave risorgimentale ora in chiave antifascista attraverso la città di Roma.

 Dal 15 al 23 maggio la Real Academia de España en Roma, dove Avelino Sala nel 2010 e Pelayo Varela nel 2011 sono stati borsisti, ospita altri lavori complementari dei tre artisti contemporanei in mostra alla GNAM.
INFO
Gran Kan*
a cura di Federica Forti in collaborazione con qwatz

Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma
15 maggio | 23 giugno 2013
Opening mercoledì 15 maggio ore 17.00

Real Academia de España en Roma
15 | 23 maggio 2013
Opening mercoledì 15 maggio ore 21.00

Galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea
coordinamento interno Linda Sorrenti
sede
viale delle Belle Arti,131
ingresso per diversamente abili: via Gramsci, 73
orari di apertura:
martedì – domenica 8.30 -19.30 (la biglietteria chiude alle 18.45)
biglietteria:
+ 39 0632298221
www.gnam.beniculturali.it
Ufficio Stampa Gnam
+39 0632298328
s-gnam.uffstampa@beniculturali.it
Real Academia de España en Roma
Sala Mostre
Accademia Reale di Spagna a Roma.
Piazza San Pietro in Montorio 3. 00153 Roma
Ingresso Libero.
Orario: tutti i giorni dalle ore 10 alle 13 e dalle 14 alle 19
tel.
(0039) 06 58332721 /22
Fax
(0039) 06 5818049

GLI ARTISTI IN MOSTRA:

Emilio Chapela

Città del Messico (1978. Vive a lavora tra Berlino, Città del Messico e New York

http://www.emiliochapela.com

Artista dalla formazione legata alle scienze matematiche e alle scienze della comunicazione, Chapela lega la sua ricerca artistica allo studio dei sistemi di comunicazione contemporanei, dai criteri legati al mondo della pubblicità al mezzo Internet relativo ai sistemi ed ai meccanismi di fruizione dello stesso. Da queste premesse trae risultati di studio che archivia in video, libri o quadri. Tra le mostre recenti dell’artista si segnalano le personali nel 2012 “Ein Ungerhueurliches Beispiel von Sozialismus” a Berlino presso V.F.K.U. Rosa-Luxemburg-Platz, “No me dispares, dispara al mensajero” presso Zacatecas in México e “La Guerra de las Termitas” alla galleria 11×7 di Buenos Aires in Argentina. Del 2011 la mostra “A measure for some things” presso Henrique Faria Fine Arts di new York e “Ask Google” presso la Saw Gallery di Ottawa, in Canada. Del 2010 “Made in Italy” la mostra prima mostra personale italiana presso la galleria Galica di Milano. Del 2008 il progetto “According to Google” esposto presso la galleria EDS GALERIA a Città del Mexico. Nel 2010 l’artista ha viaggiato tra Berlino e Venezia per motivi di studio e ricerca e da quella residenza è nato il progetto “Badauds vénitiens” che è stato ultimato nel 2013. Tra le residenze dell’artista si segnala la sua presenza presso l’ISCP International Student Curatorial Program di New York nel 2007.

Emilio Chapela è un artista che lavora sulla natura dei media e l’effetto di questi sulla società. Una formazione in scienze matematiche ed in comunicazione influenzano la sua ricerca artistica incentrata sul mezzo Internet monitorato dall’artista come universo da cui trarre enciclopedie inconsapevoli del fruitore date dalla somma dei criteri di ricerca del singolo utente che diventa summa di criteri comuni di ricerca. Il lavoro del 2008 According to Google è composto da quaranta volumi enciclopedici con immagini estratte da Internet attraverso il motore di ricerca Google. Ogni volume afferisce ad un concetto come “bellezza”, “capitalismo” o “arte” e sfogliandolo è possibile ripercorrere le immagini più ricorrenti date dalla quantità di visualizzazione effettuate dai fruitori. Seguendo lo stesso criterio Chapela ha realizzato il video Badauds vénitiens realizzato a seguito di un soggiorno in città, ma utilizzando esclusivamente immagini estratte da Google-immagini che ci restituiscono un’idea tangibile della città come meta di un turismo bulimico e cieco rispetto alla ricerca dei dettagli che ancora conservano l’identità della città lagunare. Venezia città cartolina per eccellenza, città unica al mondo in cui turisti da tutte le parti confluiscono per trovare ciò che già conoscevano prima di mettersi in viaggio: la laguna, piazza San Marco, il Ponte di Rialto e le altre icone storico artistiche della città.

Avelino Sala

Gijon (1972). Vive e lavora tra Barcellona e New York

http://www.avelinosala.es

Attivo anche come curatore e critico d’arte impegnato nello studio della realtà contemporanea colta tra memorie del passato e contingenze politiche ed economiche del presente, Avelino Sala si forma come storico dell’arte e parallelamente sviluppa la sua ricerca artistica avvalendosi principalmente del linguaggio legato al video e al disegno. Il lavoro di Avelino Sala è stato recentemente presentato in mostre come “Funeral Pyre” nel 2012 presso il museo Matadero di Madrid e “Distopia: RIGHT NOW!” presso il Museo del Marmo di Carrara, “Cacotopia” nel 2011 presso il Centre Dart Le Lait Grahulet in Francia, “Block House” alla Galeria Raquel Ponce di Madrid (2011), “Patria o muerte!” presso la Real Academia de España en Roma (2010). Ha partecipato alla X Bienal de la Habana e alla Bienal de Praga nel 2008. Attualmente prepara la mostra GRAN KAN presso la Galleria nazionale d’arte moderna di Roma e l’Accademia di Spagna a Roma; inoltre l’artista è stato recentemente invitato alla Trienal de Alentejo in Portogallo e alla XI Bienal del la Habana. Tra le sue prossime mostre si segnalano i progetti presso le gallerie Ethan Cohen e White Box di New York, il National Center for Contemporary Arts de Moscú NCCA (2013), incentrato sulla sua produzione video e quella presso il Museo de Pumapungo de Cuenca, in Ecuador. Tra le residenze si segnalano nel 2010 il soggiorno di studio presso l’Accademia di Spagna a Roma dove ha realizzato anche il progetto “Poetica de la fuga” e nel 2011 presso il La Lait space di Toulouse in Francia. La prossima residenza di Avelino Sala si terrà presso l’istituzione I.S.C.P, International Student Curatorial Program di New York.

Il lavoro di Avelino Sala (1972, Gijon, vive e lavora tra New York e Barcellona) è ambientato nel comune di Fara Sabina, nella provincia di Rieti, a nord di Roma. Prodotto site specific nel 2010 per la rassegna Venti Eventi durante la residenza dell’artista come borsista presso la Real Academia de España en Roma. Questa zona, toccata nel 1867 dalla Campagna garibaldina dell’Agro Romano per la liberazione di Roma, fu anche lo stesso luogo da cui passarono le truppe fasciste in ritirata verso nord dopo l’arrivo degli Alleati ed il poeta Ezra Pound in fuga dalla capitale. E’ all’episodio fascista che si riferisce il lavoro di Avelino Sala. Uno degli inni suonati durante la marcia su Roma è stato riscritto per essere suonato dalla fine all’inizio – al contrario- e sottolinea l’inutilità della guerra colta nel momento della fuga. La composizione classica di questa inquadratura fissa acquista un valore sospeso nel tempo, assoluto e l’immagine bucolica della ragazza che suona seduta tra gli ulivi, elegante e innocente, ricorda alcune figure allegoriche di sapore iconografico rinascimentale.

Pelayo Varela

Oviedo (1969. Vive e lavora tra Madrid e Xàbia).

http://www.pelayovarela.es

Attivo come artista dal 1985, Pelayo Varela crea nel 1995 il Centro d’Arte “Ego”, un progetto che trasforma un mobile ad ante in un luogo deputato all’esposizione itinerante di opere d’arte contemporanea di vari artisti. “Ego” è stato presentato in spazi come il Blue Art Space di San Antonio (USA), il Museo de Bellas Artes di Oviedo e Cruce a Madrid. Il lavoro di Varela è stato presentato in diverse esposizioni internazionali in Spagna, Francia, Portogallo, Regno Unito, Italia, Messico, Ecuador e Australia. Nel 2003 ha ricevuto il “Premio Caja Madrid Generación 2003″. Durante il 2010 l’artista ha soggiornato a Firenze dove ha avuto origine il progetto “Fake!. Tra le residenze nelle quali è stato invitato si segnalano MediaLab a Madrid e la Real Academia de España en Roma. Attualmente sta preparando alcune mostre tra cui si segnalano GRAN KAN presso la Galleria nazionale d’arte moderna di Roma e l’Accademia di Spagna a Roma, oltre alle mostre presso la Fundación Tàpies di Barcellona ed il White Box di NY.

Il primo nucleo del video di Pelayo Varela (Oviedo 1969, vive e lavora a Madrid) è nato nel 2010 a Firenze, in piazza Duomo, dove tra i venditori ambulanti, ve ne sono alcuni, cinesi che realizzano scritte per i turisti mutuate dalla grafica degli ideogrammi rivisitata in forme figurative di tipo zoomorfo e vegetale. Si tratta di uno dei casi in cui un’antica tradizione, come quella della grafia per la cultura cinese, viene piegata a necessità commerciali. Ciò contro cui si è battuto l’artista cinese Ai Weiwei, l’impoverimento della cultura cinese, in quest’opera evidenzia la contraddizione tra l’iperbolico mito dell’artista contemporaneo come icona indiscussa e universalmente condivisa da leggi di mercato che conciliano le differenze culturali tra Oriente e Occidente. L’artista ha chiesto a uno di questi venditori di scrivere per lui i nomi di alcuni dei più influenti artisti occidentali secondo la statistica di Artfact: Beuys, Bourgeois, Nauman, Lewitt, Picasso, Ruscha, Sherman, Warhol. Fake! È una riflessione sul mercato dell’arte contemporanea, ma anche l’incontro tra arte e artigianato alla luce di un mondo globalizzato.

Federica Forti collabora con le principali testate di settore, come Exibart (dal 2009 al 2011) e Artribune (dal 2011 ad oggi), con recensioni di rassegne e fiere d’arte italiane e internazionali. Dopo la laurea in Museologia presso l’Università di Lettere e Filosofia di Firenze nel 2006, approfondisce i suoi studi sull’arte spagnola e latino-americana presso la Universidad de Arte di Siviglia e nel 2009 consegue la specializzazione in Museologia. Attualmente lavora come curatrice tra Roma e Carrara dove si occupa del programma DATABASE


STORIA DEGLI ARTISTI SPAGNOLI A VIA MARGUTTA

STORIA DEGLI ARTISTI SPAGNOLI A VIA MARGUTTA

CONFERENZA A CURA DI VALENTINA MONCADA CURATRICE E GALLERISTA
11 APRILE ALLE ORE 19.
INGRESSO LIBERO FINO AD ESAURIMENTO POSTI
invito valentina moncada

Conferenza a cura di Valentina Moncada. Si tratterà di approfondire il ruolo della colonia spagnola di Via Margutta già a partire dagli inizi dell’Ottocento, analizzando in particolar modo gli artisti spagnoli che qui hanno avuto degli atelier, come i fratelli Josè e Mariano Benlliure, Josè Gallegos, Vincente March, Salvador Sanchez Barbudo, Mariano Barbasan, solo per citarne alcuni, per arrivare fino al novecento col grande Pablo Picasso. Inoltre, la conferenza approfondirà ulteriormente tutte le tematiche affrontate dagli artisti durante il loro soggiorno romano e dell’influente figura di Mariano Fortuny, attivo frequentatore dell’Associazione Artistica Internazionale che aveva la sua antica sede a via Margutta 54

VALENTINA MONCADA

Figlia di un fotografo di moda amante dell’arte, Valentina Moncada diventa presto protagonista del mondo dell’arte prima a New York, dove si forma e fa le sue prime esperienze, poi a Roma, dove apre la sua galleria nel 1990.

 Si laurea nel 1981 al Sarah Lawrence College, Bronxville di New York e dal 1982 al 1984 frequenta il Master of Art presso l’Institute of Fine Arts della New York University. Nel 1983 partecipa al concorso per “Curatorial Assistant” al “The Solomon R. Guggenheim Museum” (New York) per la mostra “Kandinsky in Paris”, vincendo il premio “Hilla von Rebay Fellowship“. Durante l’anno accademico 1984-1985 è assistente del prof. Ken Silver, docente di Storia dell’Arte presso la New York University, tenendo corsi regolari agli studenti del primo anno. Comincia da subito a lavorare nei più prestigiosi musei e gallerie di New York, conoscendo artisti e curatori famosi, tutti protagonisti di stagioni irripetibili, da cui acquisisce le conoscenze necessarie a gestire una galleria d’arte contemporanea. Nel 1985 lavora nel “Department of Community Education” del Metropolitan Museum of Art, New York, dove tiene anche diverse conferenze. Dal 1984 al 1989 collabora con la rivista “Segno“. Presenta alcune mostre per i cataloghi delle seguenti gallerie: L’Attico, Roma; Annina Nosei, New York; Runkel-Hue-Williams, Londra. Pubblica nel 1988 un saggio importante “The Painter’s Guide in the Cities of Venice and Padua” con la Cambridge University Press.

 E’ grazie al suo entusiasmo, al coraggio e alla costanza con cui ha sempre proposto mostre di altissimo livello che artisti sia affermati sia emergenti sono approdati nella Città Eterna da tutto il mondo. Il 3 ottobre 1990 Valentina Moncada inaugura la sua galleria romana in Via Margutta 54: da quel momento fino al 2012 ha presentato più di 80 mostre di artisti italiani ed internazionali. Tra queste molte sono state delle anteprime assolute in Italia e molti degli artisti esposti hanno raggiunto oggi notevole fama internazional


Immagine

MOSTRA ISLEART

ISLEART DAL 3 APRILE AL 8 MAGGIO

INGRESSO LIBERO

INAUGURAZIONE 3 APRILE ORE 19

invitació electr def

A cura di Gudi Moragues

 Promossa da Institut d’Estudis Baleàrics

Organizzata da  Institut d’Estudis Baleàrics e Real Academia de España en Roma.

 

La mostra ISLEART- ILLART vuole mostrare l’influenza della natura i dell’ambiente sulla creazione. I linguaggi utilizzati dagli artisti che la compongono evidenziano discorsi individuali sensitivi e divergenti, pero che, in modo innegabile, entrano in relazione con l’ambiente, la materia e la luce, costruendo processi interni in cui implicano la loro potente e a volte rigorosa iconografia personale. È in questo modo che artisti come Erwin Bechtold, Ñaco Fabré, Robert Ferrer i Martorell, Pep Llambías e Guillem Nadal –nati o particolarmente vincolati alle Isole Baleari– rispondono al progetto di questa mostra.
Tutti, nel trascorso delle loro traiettorie creative, hanno sviluppato tematiche e concetti sia personali sia radicati nella nostra realtà culturale, rendendo palesi le loro impronte significativamente rilevanti nell’ambito della plastica contemporanea.
Le Isole Baleari possiedono un marcato carattere di micro-mondo, considerato che l’isolano, forzato a un’autarchia relativa, ha sempre cercato di trovare in ognuna delle isole che compongono l’arcipelago le risorse necessarie per crearvi un piccolo universo proprio. È importante sottolineare il numeroso gruppo di notevoli artisti che, soprattutto durante il XX secolo, decisero di ormeggiare su queste isole che si schiudono in mezzo al mare luminoso, culla del Mediterraneo, portando a termine creazioni e linguaggi d’una magnificenza e personalità assolute.
Spesso le Isole Baleari sono state viste come il paradiso della pintura grazie alle straordinarie condizioni che vi propiziano la creatività. Durante il primo terzo del XX secolo, la sua proiezione internazionale e il trionfo di nuove correnti plastiche accentuarono ancora di più questo carattere.

Gli artisti venuti da altri cantoni che prestarono attenzione alla chiamata di queste nuove tendenze scoprirono le possibilità che offriva il paesaggio mediterraneo, che permetteva la sintesi di una scenografia nella quale si potevano combinare la misura dei classici e il colore dionisiaco di questo microcosmo, e non esitarono a radicarvisi, dando vita a una nutrita comunità pittorica che impulsò il fruttifero e rivoluzionario movimento culturale dell’epoca.
Una delle chiavi del suo innegabile fascino è l’aspetto di mosaico che palesa il nostro paesaggio. Un ambiente cantato e raccontato da artisti e poeti che, durante ogni tempo, si sono sentiti soggiogati dalla sua luce differente e mutevole che li ha stimolati e incitati fino a plasmare e codificare i suoi vibranti effetti e affetti.
Erwin Bechtold (Colonia, 1925) è uno dei veri artisti della plastica contemporanea grazie al suo contributo al mondo delle arti e alla sua grande capacità creativa, oltre che per la proiezione dei suoi lavori a livello internazionale.
La biografia spiega come inizialmente la sua traiettoria fu marcata dalla tradizione familiare, come figlio e pronipote di grandi impresari, pero la sua inquietudine creativa gli indicò successivamente nuovi traguardi da raggiungere. A Parigi continuerà la sua evoluzione artistica, dove lavorerà con Fernand Léger. Nel 1954 visiterà Ibiza, dopo essere passato per Barcellona, dove entrerà in contatto con il Gruppo Dau al Set, e per Madrid, dove entrerà in relazione con i componenti di El Paso. Tornerà in Germania, però nel 1958 s’insedierà definitivamente nell’isola bianca, senza interrompere mai i contatti con il mondo dell’arte internazionale; questa circostanza gli ha permesso d’instaurare, a partire dal proprio spazio fatto di pace, un dialogo perseverante con le tendenze più avanguardiste. Poco dopo il suo arrivo a Ibiza, formerà parte del Gruppo 59, in una delle epoche più algide della storia culturale e artistica della più grande delle isole Pitiuse.
Le opere di Bechtold corrispondenti alla tappa informalista (1957-1961) segnano i caratteri importanti della sua evoluzione creativa –vincolata alla prolungata permanenza a Berlino – e riflettono la sua grande personalità ed estrema sensibilità.
Il suo è un esercizio di poetica personale, nel quale l’artista si batte nel confronto. Utilizza il colore, le trame e lo spazio con deliberata arbitrarietà. Il suo linguaggio ponderato ed individualista incita, indica, offre, suggerisce…, dove la forma trova la perfetta ubiquità. Con sobrietà e saggezza divide gli spazi, marca i contrasti, definisce gli equilibri, assembla le superfici e sfuma la luce fino a reinventarla.

Ñaco Fabré (Palma, 1965) è uno dei nostri artisti di più solida traiettoria professionale e, per meriti propri, accademico della Reial Acadèmia de Belles Arts di Sant Sebastià di Palma. Nella pura astrazione lirica, l’insieme della sua opera incide nel sottile linguaggio di gesti e calligrafie, così come nella riflessiva preoccupazione per preservare il paesaggio e la natura. Della sua traiettoria, bisogna evidenziare la maniera e la forma, il concetto preclaro e la straordinaria cadenza del ritmo pittorico, così come la capacità di sopprimere tutto ciò che potrebbe risultare superfluo; questo metodo sintetico gli garantisce la lodevole fedeltà al proprio lavoro. Le sue creazioni sono esercizi codificati dalla memoria, sui quali disegna echi di vivenze per poter assumere con la sua personale nomina la sfocata complessità universale.
Lo sviluppo delle opere di Ñaco Fabré è il calcolo della contestualizzazione d’un linguaggio stabilito mediante un compatto ideogramma. Così, la sua ideologia fa riferimento a un organigramma composto dall’assemblaggio d’elementi stimolanti e attitudini cognitive che costituiscono le basi della sua rilevante essenza umanista.

Robert Ferrer i Martorell (Valencia, 1979). Se consideriamo la traiettoria di Robert Ferrer i Martorell, possiamo notare come la luce e il suo trattamento hanno rappresentato sempre un fattore essenziale per lo sviluppo della sua inquietudine creativa, prodotta a partire dal punto di vista dell’astrazione e delle tendenze minimaliste. Nei suoi piani, fecondati da un lavoro coerente e costruito con un metodo concettualmente specifico, prende in considerazione le relazioni delle idee tra di loro, così come la capacità di entrare in connessione con altre o di rifiutare certi tipi di unioni. In questo modo, l’artista realizza un’opera fatta di centri e di cerchi, di sfere e di spazi giratori, d’orbite e d’energia e, in modo particolare, di concentrata e potente luminosità.
In un mondo in cui trionfa la rapidità, Robert Ferrer i Martorell indaga accuratamente le azioni davvero importanti per l’essere umano, e si assicura che le emozioni, la luce e i suoni interni affiorino all’esterno. Così, esplora i cammini dell’immaginazione razionale, tesi tra il lirismo e la potenza vitale. Robert Ferrer i Martorell possiede la predisposizione e la virtù efficace di modellare o di produrre un effetto. Pensa, codifica, e alla fine distribuisce, in forma tanto radicale quanto amorosa, lo spazio nel quale installare migliaia di scintille catalizzatrici di luci e ombre. Il suo alfabeto è purista, di liturgia misteriosa e sensitiva, modulato da silenti spazi di tempo nei quali oscillano forme senza peso nate dalla realtà che, lanciate in forma geometrica, proporzionano un universo poeticamente astratto.
Luce plastica, luce reale, la luce sulla luce… in definitiva, luce che inonda il nostro mondo così spesso oscuro, non tanto in sé stesso quanto dentro di noi. Luce e colore, vita e atmosfera; chiarezza compositiva e criptografia formale… si fondono in un tutto magico.

Guillem Nadal_ illes V ed5_2009          erxin bechtold_Volumen rot_ 2008

Pep Llambías (Alaró, 1954). Durante il trascorso degli anni, Pep Llambías ha materializzato un discorso analitico e razionale nel quale prendono forma la più oggettiva, e allo stesso tempo, soggettiva di tutte le forme della realtà: il linguaggio, con un tacito omaggio alla sua struttura, visto che si tratta del fattore che determina il modo di pensare della comunità dei parlanti e che definisce il modo di percepire questa realtà e di interagirvi.
Le sue creazioni non sono una mera cronaca di fatti preteriti; anzi al contrario, l’artista costruisce costantemente un modello vitale e la sua evoluzione depurativa, quasi ascetica, palesa una crescita personale sommamente rappresentativa. Utilizza l’abecedario per formulare un linguaggio proprio, e dalla A alla Z, incide sull’inizio e sul finale cosmici dell’essere umano, cavallo di battaglia di tutta l’umanità.
Disegna con precisione il concetto. Grandi teste di agnelli silenziosi, muti osservatori di un mondo estraneo; superlative e bellissime rose, con cuori di neon; diafane superfici, dove il taglierino ha reciso parole dall’anima; tronchi d’alberi che, come se fossero una colonna vertebrale, sorreggono il peso emozionale, coronati da parole di contenuto simbolico.
In modo sensibilmente studiato, Pep Llambías crea una ferma scuderia di poesie visuali, e mette in scena le immagini di una narrativa assolutamente lirica nella quale intervengono due elementi fondamentali: la natura e il sentimento che, insieme alla parola, sono i motivi dei suoi codici, di quei codici processati durante anni di coerente bagaglio creativo, sottomesso a una tenace e costante indagine.

Guillem Nadal (Sant Llorenç, 1957). Ognuna delle attente manifestazioni plastiche dell’estensa traiettoria professionale di Guillem Nadal conferma il suo interessante contributo al mondo dell’arte. Nel suo lavoro, domina un teorema essenziale formato dal rigore pittorico e dal discorso intorno al viaggio individuale che realizza l’essere umano, di fronte ai principi fondamentali d’ordine e caos, materia e spirito, principio e finale… nell’incessante ricerca del proprio posto in un territorio sempre sconosciuto. Attraverso le sedimentate estensioni monocromatiche che esprimono il viscerale gesto dell’azione, Guillem Nadal racconta il suo paesaggio di mappe, terre, acque, cammini, traversate, o isole. Queste isole amate e nello stesso tempo dolorose, pietra di paragone a cui sempre ritorna l’isolano. Le isole di Guillem Nadal non sono geografiche, non si trovano negli oceani né nell’immaginazione, ma sono il soggetto di quei desiderati nuovi mondi in cui trovare spazi di serenità.
Mappe tracciate nella storia delle memorie sorgono dalle superfici dissodate. La preoccupazione per l’uomo e la terra è il messaggio che l’artista ci ha trasmesso attraverso la sua coerente traiettoria creativa. Chiostri, incognite, memorie, fossili, organismi in via di sviluppo, o processi di fattore ambientale, operativi o meno, secondo la loro incidenza, sugli esseri vivi. Questi fattori, che possono essere mutevoli e vengono rappresentati con diversa intensità nello spazio e nel tempo, sono l’interessante esercizio introspettivo dell’opera in cui riscontriamo una radicata espressione del sentimento.

naco fabre_ sin titulo 2011pep llambias_vida 2011Robert ferrer Martorell_ seri estacions 2010

Gli artisti che compongono IsleART approfondiscono, in modo rigoroso, nei campi dei moderni sistemi creativi e analitici delle relazioni. Guidano la pura manifestazione luminosa verso l’interiorizzazione visuale e il loro lavoro ci rimanda alla massima di Russell: “Ogni volta che qualcuno sentiva il desiderio d’intossicarsi celestialmente ricorreva alla musica. Però il colore e l’arte sono capaci tanto quanto la musica di procurare le maggiori estasi e piaceri”.


LA SPAGNA E L’ITALIA DI VELAZQUEZ

 

CONFERENZA DI AQUILINO DUQUE

14 MARZO ORE 19. INGRESSO LIBERO FINO AD ESAURIMENTO POSTI

Nella cornice del Salone dei Ritratti dell’Accademia:

LA SPAGNA E L’ITALIA DI VELAZQUEZ

Il poeta Luis Rosales, una volta mi disse,  parlandomi  del Magnum opus che stava elaborando su Cervantes, che se gli spagnoli dovessero essere figli di qualcuno sarebbero  grazie a Cervantes e a Velazquez. Questa lezione mi ha segnato per sempre, e fu in occasione del centenario di Velazquez quando ebbi  l’opportunità di svilupparla, mentre,  intanto cercavo di pagare  il debito che avevo con  l’Italia, dove ho avuto  la fortuna di trascorrere come loro degli anni indimenticabili, avventurosi  e proficui. Vivevo ancora  nella capitale quando mi pronunciai in versi di Don Miguel Cervantes e il quadro non sarebbe completo se adesso non lo facessi in prosa di Don Diego Velazquez.

Aquilino Duque

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AQUILINO DUQUE.

Nasce a Siviglia nel 1931. Laureato in giurisprudenza presso l’Università di Siviglia, completa i suoi studi

Presso l’Università di Cambridge e la Southern Methodist University a Dallas nel Texas. Romanziere, poeta e autore di saggi, Aquilino Duque è autore di Libri tali : De palabra en palabra (Premio Leopoldo Panero del Istituto di Cultura Ispanica e Fastenrath, della Reale Accademia Spagnola della lingua); el Mono azul (finalista del Premio Nadal 1973 e Premio Nazionale di Letteratura 1974)

Si trasferisce a Roma negli inizi degli anni 70, dove collabora con la pubblicazione Destino, in questo periodo  frequenta Rafael Alberti. Ha organizzato e diretto corsi di Letteratura spagnola a Cambridge, Siviglia e Chapel Hill. È stato relatore in conferenze in tutto il mondo: Università  di Cambridge, Siviglia, Swarthmore, Delaware, Chicago, Roma, Pennsylvania, Georgetown, La Rabida, Malaga, Mar Menor, Oviedo, Guadalajara (Messico),Museo di Belle Arti di  Siviglia, Palazzo delle nazione unite a  Ginevra, Istituto Britannico di Siviglia, e presso gli Istituti Cervantes di Buenos Aires, Londra, Nuova York, Vienna, Monaco e Utrecht

 

 


CONFERENZA. LA TRADIZIONE FIGURATIVA DELLA DIVINA COMMEDIA

CONFERENZA ARTE
LA TRADIZIONE FIGURATIVA DELLA DIVINA COMMEDIA. DAI MINIATORI TRECENTESCHI ALL’ARTE CONTEMPORANEA

28 FEBBRAIO ORE 19. CONFERENZA IN ITALIANO
SALA CONFERENZE.
INGRESSO LIBERO.

Con la colaborazione della Casa di Dante

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L’inferno di Dante sarà di nuovo protagonista all’Accademia. Il professore Andrea Mazzucchi dell’Università di Napoli Federico II e l’artista catanese Nino Lupica conducono la conferenza: La tradizione figurativa della Divina Commedia. Dai miniatori trecenteschi all’arte contemporanea. Con motivo della mostra allestita in Accademia fino 4 marzo: Auguste Rodin. L’inferno di Dante; scopriremmo il perché della forte attrazione che l’opera dantesca ha esercitato sull’arte visiva, Andrea Mazzucchi percorre dal punto di vista storico le illustrazioni grafiche dell’opera di Dante, Nino Lupica invece affronterà l’argomento, in qualità di esponente dell’arte contemporanea che ancora oggi si ispira nelle opere dantesche per le loro creazioni artistiche.

BIO DEI RELATORI.

Andrea Mazzucchi

Andrea Mazzucchi è professore ordinario di Filologia della letteratura italiana presso l’Università Federico II di Napoli. Si è occupato principalmente di Dante e in particolare dell’antica esegesi dantesca, delle formalizzazioni sintattico-retoriche del Convivio e dei rapporti tra testo e immagine nella tradizione manoscritta del poema dantesco. 

Ha curato l’edizione critica delle inedite Chiose filippine (Roma, Salerno Editrice, 2002) e delle Chiose alla  Commedia  di Matteo Chiromono (Roma, Salerno Editrice, 2004), nonché il facsimile con ampio commentario del Dante historiato di Federico Zuccari, noto pittore manierista, autore di 88 disegni volti a illustrare il poema dantesco (Roma, Salerno Editrice, 2005). Ha curato, in collaborazione con Enrico Malato, un ampio Censimento dei commenti danteschi. 1. I commenti di tradizione manoscritta (fino al 1480) (Roma, Salerno Editrice, 2011), per il quale ha ottenuto il premio Fratelli Vassallini dell’Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti. Alcuni dei suoi principali studi danteschi sono stati raccolti nel volume Tra Convivio e Commedia. Sondaggi di filologia e critica dantesca (Roma, Salerno Editrice, 2004). Sta attualmente lavorando a una nuova edizione commentata del Convivio, le cui linee programmatiche sono esposte in Proposte per una nuova edizione commentata del  Convivio, in Leggere Dante oggi. I testi, l’esegesi, Atti del Convegno di Roma,

25-27 ottobre 2010, a cura di E. Malato e A. Mazzucchi, Roma, Salerno Editrice, 2012. Condirige le riviste Filologia e critica e  Rivista di studi danteschi  ed è direttore della collana  Sestante della Salerno Editrice. È membro della commissione scientifica preposta all?Edizione Nazionale dei Commenti danteschi e della commissione scientifica della  Nuova Edizione Commentata delle Opere di Dante. Fa parte dei consigli direttivi del Centro per la ricerca filologica, linguistica e letteraria  Pio Rajna di Roma, in qualità di vicepresidente, e della storica Casa di Dante in Roma.

NIno Lupica

Nino Lupica è nato a Scordìa, in provincia di Catania, nel 1938. Ha studiato all’Istituto Statale d’Arte di Catania e all’Accademia di Belle Arti di Palermo. Ha seguito nel 1961-62 i corsi della Scuola Libera del Nudo, all’Accademia di Belle Arti di Brera in Milano, con il professor Aldo Salvadori.

Ha insegnato figura disegnata al Liceo Artistico di Bergamo e pittura all’Accademia di Belle Arti  “A. Galli” di Como dove ha svolto il ruolo di Direttore, succedendo allo scultore Andrea Cascella e allo storico dell’Arte Raffaele De Grada.

Le sue opere sono state esposte:

in Italia  (Galleria Gian Ferrari , Milano; Arte Centro, Milano; Galleria San Marco dei Giustiniani, Genova; Galleria New Gallery,Centro d’Arte Cavallotto, Catania; Galleria “ Il minotauro”, La Spezia; Palazzo Strozzi, Firenze; Villa Manzoni, Lecco; Palazzo Sormani, Milano; Galleria Civica, Campione D’Italia; Istituto Cervantes, Milano; Palazzo Florio,Università di Udine; Salone del Broletto, Como; Galleria “Il Doge”, Genova; Palazzo Piccolomini Pienza; Museo d’Arte Contemporanea, Lissone; Vittoriale degli Italiani, Gardone Riviera; Castello Ursino di Catania); Museo della città di Salò;

 in Svizzera ( Galleria Burdeke, Zurigo, Galleria Cecchi, Ginevra; Galleria N 2 Lugano); in Olanda ( Università di  Groningen); in Danimarca ( Istituto Italiano di Cultura di Copenaghen) in Francia( Lycée Jean Monet, Neudorf; Galerie Kleber, Strasburgo; in Israele (Istituto Italiano di Cultura di Tel Aviv, Haifa e Gerusalemme);in Spagna ( Galleria Estol, Barcellona; Galleria Yolanda Ríos, Sitges; Galleria Comunale di Monistrol de Monserrat, Girona); in Germania (Dresdner Schloss, Dresda);  in Polonia ( galleria Pryzmat, Cracovia);in Canada (Galleria Five, Ottawa); in Portogallo ( Istituto Italiano di Cultura, Lisbona); in Grecia (Palazzo Palamas, Università Centrale di Atene).

Nino Lupica, oltre all’attività di docente, ha promosso e realizzato esposizioni di grande interesse quali: “Immagine oggi in Italia” nel 1971; “¡…Que bien resiste! (L’idea di resistenza nell’arte contemporanea)” nel 1974; ”Aspetti del Naturalismo Lombardo da Gola a Morlotti” nel 1975; “Retrospettiva di Hans Grundig“ nel 1976. Nell’ambito delle sue attività artistiche e professionali, Nino Lupica ha collaborato con le seguenti Istituzioni europee; Technological Educational Institution ( TEI ) – Atene ; Universidad del País Vasco ( Upv – Ehu ) – Bilbao; The Valamo Art Conservation Institute -Uusi- Valamo (Finlandia); University of Westminster-Londra; Facultat de Belles Arts de Sant Carles – Valencia; Facultad de Bellas Artes della Universidad Complutense de Madrid; Akademie Vytvarniych Umeni V – Praga; Kunstholnschule – Berlino.

Sulla sua opera hanno scritto, tra gli altri, Carlo Bo, Mario Luzi, Raffaele De Grada, Germano Beringheli, Gianni Baget Bozzo, Mariano Apa, Alberico Sala, Paolo Levi, Giorgio Mascherpa, Ermanno Krumm, Elda Fezzi, Lea Grundig, Ute Schuffenhause.


AUGUSTE RODIN. L’INFERNO DI DANTE

MOSTRA

DAL 29 GENNAIO AL 4 MARZO.

INAUGURAZIONE 29 GENNAIO ORE 19. INGRESSO LIBERO

Invito_mostra Auguste Rodin

La Real Academia de España a Roma  (Piazza San Pietro in Montorio, 3) inaugura il 29 gennaio nelle proprie sale la mostra dello scultore francese “Auguste Rodin. L’inferno di Dante”.

L’esposizione presenta l’importante opera grafica, quasi sconosciuta, dello scultore Auguste Rodin (1840- 1917), che fu stampata nel 1897 dalla Maison Goupil, pioniere  delle nuove tecniche di riproduzione dell’ immagine e della diffusione delle opere artistiche. Questa mostra ha un interesse doppio non solo perche ci permette di ammirare lo straordinario potenziale grafico dell’opera di Rodin, bensì anche l’inizio delle nuove forme di democratizzare l’arte attraverso la moltiplicazione e commercializzazione intrapresa dalla Goupil and Cia con un ampio e diversificato programma editoriale.

Questo “monumento alla bibliofilia” fu anche denominato l’album Fenaille, in quanto ottenne il patrocinio di Maurice Fenaille, membro dell’Academie des beaux-arts di Francia, nonché grande collezionista e mecenate. Grazie a Lui, possiamo osservare i disegni che erano andati perduti di Rodin, perche furono realizzati come stampe grazie alla nuova tecnica della fotoincisione. Qui si mostrano le prove “bon a tirer”, alcune con le annotazioni originali dello stesso Rodin, poiché il procedimento dell’intera edizione fu seguita molto da vicino dallo stesso artista.

Questi Disegni Neri di Rodin, sono ispirati all’Inferno di Dante Alighieri, e furono realizzati mentre lavorava nella sua famosa e non conclusa opera “ le Porte dell’inferno” (1880-1917), e benché non si tratti degli studi diretti per questo grande complesso di sculture, ne hanno la stessa  ispirazione. Le 129 stampe vengono suddivise in tre gruppi: 82 appartengono all’inferno, 31 al limbo, e le altre 16 sono studi che seppur  non riguardano l’opera di Dante, condividono lo stesso argomento d’ispirazione biblica ed evocazione delle opere di Michelangelo.

Le dissacranti tecniche grafiche di Rodin evocano le opere di Goya, di Rembrandt, ma anche i disegni di Victor Hugo, molto  conosciuti dallo scultore, poiché il suo rappresentante George Petit organizzò nel 1888 una mostra a Parigi sugli enigmatici disegni dello scrittore, dove lo schizzo d’inchiostro diventa protagonista.

La Casa Goupil, fu fondata nel 1850 a Parigi da Adolphe Goupil (1806-1893) e riuscì ad avere  uffici a Londra, Bruxelles, The Hage, Berlino, Vienna,  New York e persino in Australia. Questa mostra è stata ceduta dal Museo d’Aquitaine a Bordaux, sotto la cui tutela si trova la Collezione Goupil provvista d’una straordinaria ricchezza grafica.

AUGUSTE RODIN. L’INFERNO DI DANTE
Mostra delle stampe di Auguste Rodin
dalle collezioni del Musèe Goupil a Bordeaux

Periodo mostra: 29 gennaio-4 marzo
Inaugurazione: 29 gennaio ore 19
Organizzata da: Accademia Reale di Spagna

Scarica l’Omaggio a Auguste  Rodin di Octave Mirbeau : Omaggio a auguste rodin

 

 

 

 

 

 

 

 

 


ORO SPIRITO E NATURA DI UN TERRITORIO DI PEDRO RUIZ

DAL 5 DICEMBRE AL 15 GENNAIO

MOSTRA PITTURA. INAUGURAZIONE 5 DICEMBRE ORE 19.

ORGANIZZATA DALL’AMBASCIATA DI COLOMBIA E L’ACCADEMIA REALE DI SPAGNA A ROMA. 

“Oro, spirito e natura di un territorio”, del pittore colombiano Pedro Ruiz. Trentatré quadri di piccolo formato con cui Ruiz, alla sua prima esposizione in Italia, racconta le tanti componenti di un territorio che volta quotidianamente le spalle alla violenza e ci rimanda all’ “oro” della nostra natura più profonda. Un percorso cui contribuiscono la musica, l’illuminazione, l’organizzazione dello spazio e persino la pittura delle pareti della sala che ospita i lavori.

 L’esposizione – visibile fino al 15 gennaio 2013 con ingresso gratuito tutti i giorni dalle 10 alle 20 – è organizzata dall’Ambasciata di Colombia in Italia e dalla Reale Accademia di Spagna.

Formatosi alla Scuola nazionale delle belle arti di Parigi, Pedro Ruiz, ha portato i suoi lavori in rinomati musei in Colombia, Messico e Spagna, ed esposto in prestigiose gallerie in Colombia come negli Stati Uniti. Tra i riconoscimenti a lui assegnati vanno ricordati la “Mención de honor Salón Nacional de Artistas de Colombia” e “l’Ordre des Artes et des Lettres” del governo francese.

 Molti i luoghi che hanno ospitato in precedenza l’installazione “Oro”: tra i tanti, si segnalano il “Museo de arte moderno” di Bogotà, il “Claustro de Santo Domingo” di Cartagena de las Indias, l’Ateneo di Madrid. La rassegna è stata anche scelta per rappresentare la Colombia al Forum economico mondiale tenutosi nel 2010 a Cartagena de las Indias.

BIO DI PEDRO RUIZ

 Pedro Ruiz è nato a Bogotà. Ha studiato presso la scuola di Belle Arti di Parigi tra il 1979 e il 1983 dove ha lavorato con la pittura ed è stato membro dell’ “Atelier 17″, conoscendo le teorie del suo fondatore, maestro Stanley William Hayter e sviluppando il suo linguaggio come incisore.

 Tornato a Bogotá, ha lavorato presso l’agenzia pubblicitaria McCann Erickson come direttore d’arte e i suoi lavori hanno ricevuto riconoscimenti a livello nazionale. In seguito deciderà però di ritirarsi per dedicarsi esclusivamente alla sua arte alternandosi tra i dipinti ed i lavori di illustrazione, disegno di scenografie e costumi e di opere di carattere multidisciplinare come “La Biblioteca Naturale” dove 35 artisti sono stati invitati oltre a intellettuali e scienziati del Paese a confrontare le loro conoscenze e le loro competenze. Sempre nel 2000 ha formato il gruppo Nadieøpina con il quale svolge attività di ricerca e progetti collettivi di carattere sperimentale in spazi alternativi di Bogotà.

 Nel 2010 il governo francese gli ha conferito l’Ordine delle Arti e delle Lettere nel grado di Cavaliere, un premio onorario concesso dal Ministero della Cultura e della Comunicazione francese.

 Riceve la menzione d’onore al Salone Nazionale degli Artisti della Colombia nel 1988. Le sue mostre personali includono lavori per gallerie ubicate negli Stati Uniti e in Colombia, mostre personali al Museo d’Arte Moderna di Bogotà, Museo d’Arte Moderna di Cartagena, Sala delle esposizioni nel Chiostro Santo Domingo a Cartagena.

 Le sue opere “Spostamenti”, “Love is in the Air” e “Oro, Spirito e natura di un territorio” vogliono, in un processo di molteplici esposizioni, trasformare il loro carattere individuale e diventano installazioni ed eventi interattivi che affrontano in forma più ampia problemi come il traffico di droga e gli spostamenti forzati in Colombia.

 Per saperne di più sull’autore: www.pedroruiz.org

O R O. Spirito e natura di un territorio

 Mostra di Pedro Ruiz

Periodo mostra: 5 dicembre- 15 gennaio

Inaugurazione: 5 dicembre ore 19

Organizzata da: Ambasciata di Colombia/ Accademia Reale di Spagna

Promossa da: Ambasciata di Colombia.


SEMINARIO INTERNAZIONALE. ARTISTE E COMMITTENZE FEMMINILE NELL’EUROPA MODERNA

28 NOVEMBRE DALLE ORE 10.  SALA CONFERENZE. ACCADEMIA REALE DI SPAGNA.

29 NOVEMBRE ACCADEMIA NAZIONALE DI SAN LUCA

Ingresso Libero

Nell’ambito degli studi storico-artistici e di genere nell’età moderna e contemporanea condotti nelle università italiane e spagnole, e che esaminano la realtà delle donne artiste e delle committenze femminili, si propone un seminario internazionale di studi dal titolo Artiste e Committenze femminili nell’Europa moderna, per analizzare alcuni degli aspetti più significativi di questa realtà.

L’attenzione sarà posta agli studi dei diversi processi di patrocinio, mecenatismo e sviluppo delle arti intrapresi e portati avanti dalle donne durante l’età moderna e contemporanea. Nello stesso modo sarà esaminata la realtà delle donne artiste nell’Europa moderna e contemporanea, cercando di anche comprendere quali sono stati i principali fattori che hanno condotto alla costruzione della loro fama. Al seminario partecipano studiosi di alcune università italiane e spagnole, che colgono l’occasione per confrontare i risultati di lavori svolti nei rispettivi ambiti di ricerca. Il seminario intende avere un carattere interuniversitario e interdisciplinare, ma nello stesso tempo vuole creare una linea di dibattito che faciliti lo scambio di idee tra i relatori e il pubblico.

Scarica il programma completo: PROGRAMMA Seminario Internazionale

Organizzato da: Real Academia de España a Roma e Accademia Nazionale di San Luca

Collabora: Universitá di Roma “Sapienza”, Escuela Española de Historia y Arqueología a Roma

Direzione: Consuelo Lollobrigida e Felipe Serrano

Comitato Scientifico: Iolanda Covre Universitá di Roma “Sapienza”, Margarita Birriel Universidad de Granada, Angela Cipriani Accademia Nazionale di San Luca, Pedro A. Galera Universitá di Jaén e Francesco Moschini Accademia Nazionale di San Luca

I RELATORI

Felipe Serrano Estrella. Professore di Storia dell’Arte presso l’Università di Jaén. La sua tessi di ricerca abborda l’architettura e l’impatto sull’urbanesimo dai conventi e monasteri mendicanti nella Spagna barocca. Le sue ricerche analizzano il ruolo delle donne nel campo dell’architettura e la promozione artistica.  Fa parte del progetto “Arquitectura y Género en Andalucía”.

 Luz de Ulierte Vázquez. Storica dell’arte presso l’Università di Granada. Insieme alla sua principale linea di ricerca che analizza le pale d’altare spagnole tra il 1580 e il 1800,  sono da evidenziare i suoi studi sulle donne. E’ stata una delle prime specialiste su questo tipo di ricerche, sono molto importanti le sue ricerche sul ruolo della donna nelle discipline artistiche e l’immagine femminile nell’arte.

Elena Díez Jorge. Storica dell’arte presso l’Università di Granada. La sua principale attività di ricerca è indirizzata su due argomenti fondamentali: da un lato la ricerca per la pace, analizzando la multiculturalità nell’arte, e nello specifico nell’ambito storico del Mudejar; dall’altro  la storia delle donne. attualmente dirige un progetto di eccellenza sull’architettura dalla prospettiva femminile.

 Consuelo Lollobrigida, storica dell’arte, dopo una specializzazione in storia dell’arte, ha conseguito il dottorato di ricerca in “Strumenti e Metodi per la Storia dell’Arte” con una tesi sulle donne artiste nella Roma Barocca ed attualmente insegna presso il Dipartimento delle arti e dello spettacolo dell’Università “Sapienza” di Roma e presso l’UARC University – Rome Program. La sua principale attività di ricerca è indirizzata allo studio delle donne artiste in età moderna, ambito nel quale ha recentemente pubblicato la monografia sull’artista settecentesca Maria Luigia Raggi, nel quale sta per presentare un volume dedicato all’architetto del XVII secolo Plautilla Bricci e dove ha curato mostre e piccole esposizioni.

Marianna Franceschetti, storica dell’arte,  ha conseguito la Laurea Specialistica discutendo una tesi in storia dell’arte contemporanea dal titolo “Kay Sage”. In seguito si è perfezionata in turismo culturale, approfondendo in particolar modo argomenti afferenti il paesaggio, l’economia delle risorse culturali, le politiche e governance per lo sviluppo dei distretti turistici. Tra i suoi studi, si è anche occupata di museologia e di didattica dell’arte, curando progetti per le scuole di ogni ordine e grado e collaborando con prestigiose aziende nel settore della valorizzazione di beni culturali.

Francesco Moschini ( 1948), Professore Ordinario di Storia dell’Architettura presso il Politecnico di Bari e Segretario Generale dell’Accademia Nazionale di San Luca. Fondatore nel 1978 del centro di produzione e promozione di iniziative culturali, studi e ricerche denominato A.A.M. ARCHITETTURA ARTE MODERNA di Roma, tuttora attivo, aperto nel 1993 anche a Milano, ha curato numerose mostre con i relativi cataloghi, in Italia e all’estero. Nel novembre del 2000 ha avuto un riconoscimento alla propria attività culturale con il Premio INArch.

 Elena Onori, storica dell’arte. Studia sulla committenza femminile del XVII secolo con particolare attenzione all’allestimento delle stanze delle donne. Ha recentemente pubblicato la sua tesi di laurea sulla decorazione del Duomo di Orvieto dopo il Concilio di Trento; sta curando una serie di studi sulla decorazione cinquecentesca e seicentesca in terra Sabina concentrandosi sull’Abbazia di Farfa e sul Monastero delle Clarisse Eremite di Fara in Sabina. Da marzo 2011 è stata nominata Direttore del Museo del Silenzio, annesso al Monastero di Fara in Sabina, di cui sta curando uno studio monografico. Tra i suoi studi, si è anche occupata di museologia e di didattica dell’arte, curando progetti per le scuole di ogni ordine e grado di Roma e provincia.


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