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El arte de la Construcción en España. Fotografías de Ricardo Santonja

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                               Un viaggio di immagini alla scoperta dell’architettura spagnola

Mercoledì 15 gennaio, ore 19, si inaugura la mostra fotografica “El Arte De La Construcción En España” presso la Reale Accademia di Spagna a Roma, Piazza San Pietro in Montorio, 3.

La mostra resterà aperta dal 15 gennaio al 14 febbraio tutti i giorni dalle ore 10 alle ore 13 e dalle ore 14 alle ore 19, ingresso libero.

Questo percorso fotografico, che ricostruisce e celebra gli aspetti più interessanti dell’architettura in Spagna, sceglie come prima tappa la capitale italiana per poi proseguire il suo itinerario in diversi paesi d’Europa fino ad arrivare in Asia e Medio Oriente.

La mostra nasce come risultato di un progetto seguito da Ricardo Santonja per più di 10 anni alla Scuola Tecnica Superiore di Architettura di Madrid (ETSAM) dove è professore al dipartimento di  Ideazione Grafica. Questo studio, partendo dalla potenzialità della fotografia a diffondere l’architettura, ha lo scopo di costruire una propria identità di disciplina che ha come oggetto una immagine individuale non sovrapposta, ma affiancata all’opera stessa.

Siamo di fronte alla creazione di una nuova poetica visuale che, grazie al movimento della camera, si sviluppa in un’astrazione pseudo pittorica delle immagini (poemi luce).

Uno straordinario fenomeno di comunicazione artistica, capace di evocare emozioni nello spettatore e di avvicinarlo con maggiore sensibilità all’architettura d’avanguardia realizzata in Spagna dai più prestigiosi architetti, spagnoli e stranieri.

Per parlare di questi temi saranno presenti, oltre a Ricardo Santonja e Alberto Cubas, anche l’Arch. Luis Agustín (Architetto e Direttore del Dipartimento di Ideazione Grafica all’Università di Zaragoza) l’Arch. Aurelio Vallespin (Architetto e professore dell’Università di Zaragoza),  l’Arch. Alvaro Planchuelo e Pedro de la Peña (Architetto conservatore dell’Università Complutense di Madrid).


MOSTRA ROBERTO CARLOS UMPIÉRREZ. UN VIAGGIO NELLE SUE OPERE

Dal 7 novembre  al 7 gennaio  2014

Inaugurazione: 7 novembre ore 19 . Ingresso Libero

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58 opere in mostra, che per la prima volta raccolgono l’intera opera di Roberto Carlos Umpiérrez, esponente della New Realism Pop Art, nonché della Pop Art classica, in quanto attraverso questa forma espressiva egli si cala con forte impegno nella contraddittoria realtà in cui oggi respiriamo. Ma non solo, perche la mostra spazia dalle prime creazioni degli anni 70 interessate al ritratto dei famigliari alle sue sculture degli anni 90 chiudendo con le ultime opere di maturità.

In questo suo percorso artistico, ci sono certe tematiche ricorrenti, come sono i burocrati oppure il consumismo e lo stile di vita americano, che Roberto Carlos visse durante la sua gioventù a Washington e Nuova York e che ora diventano oggetto della sua critica artistica. E che in tante occasioni abbina agli grandi icone dell’arte universale, magari un messaggio cifrato  di denuncia del mercato dell’arte, dello sfreno consumista della società attuale, oppure un cenno dell’ammirazione che lui sentiva verso Michelangelo “Michelangelo è droga, è droga che prima ti calamita ma poi ta fa volare in su libero come fa la fantasia. Ma sicuro come un frate trappista”.

La retrospettiva delle opere di Roberto Carlo Umpiérrez ripercorre i momenti e i periodi più significativi della sua produzione, con un occhio attento alle tematiche che abbracciano momenti storici e frammenti di vita privata. La pittura di Umpiérrez, infatti, si distingue per la capacità di rivedere e ridisegnare, letteralmente o meno, personaggi, eventi, vissuti personali, aspetti del mondo d’oggi, tramutandoli in realtà alternative e forse desiderate.

 

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Umpiérrez è un prezioso figlio dell’Uruguay, della sua cultura e della sua arte, ma le sue numerose esperienze all’estero hanno dotato le sue opere di poliedricità singolare e di una chiave di lettura universale.

Da qui la sua visione del mondo vasta e potente che vaga dalle suggestioni del classicismo michelangiolesco fino a una sorta di “pop art” dove oggetto di consumo e personaggio si contrappuntano con cruda evidenza. E’ qui che si sofferma di più l’autore che intende buttarsi nella mischia portando il suo contributo alla consapevolezza dei mali che ci premono addosso e alla contraddittoria realtà in cui oggi respiriamo. Infatti, accanto al prodotto in scatola, segno della distruzione di ogni valore che non sia il profitto, vi è l’uomo come vittima di una situazione nella quale non c’è posto per rapporti che diano senso al vivere.

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L’opera di Umpiérrez è priva di accademismi senza rinunciare al mestiere e i lavori non sono solo su tela ma spaziano dalla carta, all’incisione, all’affresco, dalle sculture in legno fino a plastiche e oggetti riciclati. I materiali di scarto sono sovrapposti ai colori e alle forme create con sapiente compostezza: i quadri attraggono per quei mille tratti particolari che “trasportano” l’immaginazione di là dalla veduta stessa. Per questo ci piace, questo artista venuto dal Rio de la Plata.


CONCERTI NEL CHIOSTRO

CONCERTI NEL CHIOSTRO

I GIORNI 14, 15, 21, 22, 28 GIUGNO E 6 LUGLIO.

ORE 20.30 INGRESSO LIBERO FINO AD ESAURIMENTO POSTI

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Come negli anni precedenti e con l’arrivo della stagione estiva, l’accademia Reale di Spagna a Roma organizza il ciclo di concerti di Musica nel chiostro seicentesco della sua sede, decorato con gli affreschi del Pomarancio sulla vita di San Francesco. Lo spazio è  dunque suggestivo e la sonorità eccellente.

Si tratta di concerti che vengono organizzati tradizionalmente negli spazi dell’Accademia per valorizzare l’intimo legame con la storia musicale spagnola, confermata dall’aver ospitato, tradizionalmente, alcuni dei più importanti compositori del panorama musicale spagnolo del XX secolo. Quest’anno  i concerti sono incentrati nei rapporti tra la musica spagnola, europea (soprattutto italiana) e latinoamericana, infatti, i concerti sono organizzati in collaborazione con L’ambasciata del Messico in Italia, l’Ambasciata di Spagna in Italia, L’Ambasciata del Salvador in Italia, L’Accademia d’Ungheria e La festa Europea della Musica (che avrà luogo nei giorni 21 e 22 giugno)

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Il concerto d’apertura dell’intero ciclo è affidato al quartetto di chitarre Orishas, ensemble di chitarre multi premiato in Messico (I, III Concurso Nacional de Ensambles de Guitarra, Premio Manuel M. Ponce nel VI Festival Internacional de Música de Cámara, Aguascalientes) L’ensemble è formato da: Antonio Laguna, Diego Emerith, Jesús Guarneros e Daniel Aguilar che si esibiranno con composizioni di Patrick Roux, Andrew York o Luigi Boccherini tra altri. Concerto in collaborazione con l’Ambasciata del Messico in Italia

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 Il secondo concerto a cura della soprano spagnola Elisa Belmonte, membro della Real Academia Hispanoamericana de Ciencias, Artes y Letras,  è dedicato alla letteratura spagnola con testi di Alberti, Federico G. Lorca, Cervantes, ecc arrangiati da alcuni dei compositori spagnoli più importanti del Secolo XX. Infine il concerto si chiude con un piccolo viaggio per il genero lirico in spagnolo per eccellenza: la Zarzuela. Elisa Belmonte nell’attualità insegna canto presso la Scuola Superiore di Canto di Madrid e ha interpretato i principali ruoli in opera: La Bohème (Mimí), Turandot (Líu), La Traviata (Violeta), Carmen (Micaela), Il Trovatore (Leonora) Tosca (Floria Tosca), ecc offrendo concerti come soprano in tutto il mondo. Concerto in collaborazione con l’Ambasciata di Spagna in Italia

 I giorni 21 e 22 giugno, sono dedicati alla festa europea della Musica in collaborazione alla quale avranno luogo due concerti: Il primo concerto eccezionalmente si svolgerà presso la Chiesa di San Pietro in Montorio capolavoro dell’Architettura sacra del Rinascimento romano, ben quattro paesi saranno rappresentati con i loro compositori. Si potranno in primo luogo ascoltare le melodie di Liszt (trascrizioni sul tema di Franz Schubert), che ebbe come allievo lo spagnolo Albéniz.

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Inoltre saranno eseguite musiche di Obradors, Granados e de Falla, a testimoniare che l’evento musicale è il frutto di una straordinaria collaborazione tra l’Accademia di Ungheria a Roma e l’Accademia di Spagna. Il concerto, infine, vedrà nella sua parte conclusiva melodie francesi e italiane di Debussy, Fauré, Mascagni e Puccini, con particolare attenzione ai «pezzi sacri».

 Il secondo concerto sotto il titolo Venti del 900 rappresenta un percorso di musica contemporanea dall’Europa all’America Latina in un programma dove saranno eseguiti brani della Musica da Camera Italiana, la Germania di Bertold Brecht e l’Argentina di Astor Piazzolla. interpretato dal laboratorio Antonio Cotogni di Roma con Patrizia Pavoncello/Rosa Rodriguez Mezzosoprano e Loredana Margheriti/ Giuditta Puccinelli Soprano.

 Sei concerti con ingresso libero e che comprende inoltre il già classico concerto di pianoforte del vincitore del premio del pubblico del noto  concorso internazionale di pianoforte Maria Canals di Barcellona, il cui vincitore Tomoaki Yoshida che vanta premi tali: “All Japan Music competition” 1999 oppure il secondo premio del concorso Internazionale di Musica Vietri sul Mare nel 2007, ci offre un’eccellente concerto di pianoforte.

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Il ciclo quest’anno si chiude con un ultimo concerto affidato all’Orchestra Sinfonica di Giovani del Salvador con un’ampia selezione di musica Latinoamericana, che  infine vedrà una parte conclusiva con Suite di canzoni napoletane.  Concerto Organizzato in collaborazione con l’Ambasciata del Salvador in Italia

La rassegna sarà inaugurata il 14 giugno, alle ore 20:30 e prevede una conferenza musicale il 19 giugno alle ore 19, sui rapporti tra la lirica spagnola e Italiana a cura di Emilio Casares (Direttore dell’Istituto di Studi Musicali Complutense di Madrid) e il Dott. Dinko Fabris (Professore di Storia della Musica presso l’Università della Basilicata, Potenza e Conservatorio di Bari e presidente della International Musicological Society).

Scarica il Programma: programma ciclo concerti

Scarica il Comunciato Stampa: cs concertichiostro2013


ARTI SCENICHE INTEGRATE. L’IDENTITA’ MOBILE

Giornate di conferenze

Arti Sceniche Integrate: L’identità mobile

12 e 13 giugno. Ore 19

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I giorni 12 e 13 Giugno 2013, dalle ore 19 presso la Reale Accademia di Spagna analizzeremmo i diversi progetti che affrontano le problematiche dell’inclusione sociale e l’integrazione attraverso le varie discipline artistiche sceniche. A cura di Marisa Brugarolas Coreografa e ricercatrice in processi di inclusione e integrazione nelle arti sceniche si presenteranno i progetti in due giornate di conferenze:

Corpo in divenire a cura di Marisa Brugarolas:  La danza contemporanea e il movimento scenico sono gli elementi su cui si fonda il progetto; l’esplorazione del movimento si concentra sulle Tecniche Somatiche e Contact Improvisation. La danza si arricchisce quanto sono i nuovi movimenti ad entrarvi, quando il nostro corpo diverso racconta storie in modo diverso, quando si aggiungono voci diverse.

Teri Jeanette Weikel, Coreografa, Danzatrice, Feldenkrais Practitioner, presenta la conferenza Una danza diversa. Formatosi presso California Institute of the Arts, in Italia da 30 anni dove ha sostenuto attività di produzione e insegnamento di danza.

All’attività di produzione, affianca intensi periodi di lavoro coreografico negli Stati Uniti: a New York presso la Donald Byrd Dance Foundation in qualità di coreografa e maitre de ballet; presso il California Institute of the Arts di Los Angeles in qualità di coreografa, docente della cattedra di danza contemporanea. Teri si è diplomata nel Metodo Feldenkrais nel 2002 e conduce attività di formazione applicando il metodo all’ insegnamento della danza. Attualmente Teri fa parte dell’ Associazione Artisti Drama.

Davide Marzattinocci (regista e attore) Giusi Nazzarro (attrice) e Simone Di Pascasio (attore) componenti di Teatro Buffo mostreranno i suoi progetti in due proiezioni che presentano Teatro Buffo nato nel 2007 come laboratorio di teatro che coinvolge gli abitanti di due case famiglia gestite dalla Cooperativa Spes Contra Spem. Negli anni il lavoro del gruppo si intensifica e il laboratorio diventa una compagnia teatrale composta dal regista Davide Marzattinocci, 9 attori con e senza disabilità, una coordinatrice e un’operatrice nonché “interferenza filosofica” del gruppo.

La giornata del 13 giugno prevede la partecipazione di:

Michele Cavallo, presenta la conferenza “Doppio passo: 1. La formazione del conduttore di Teatro sociale. 2. A debita distanza: un esempio di lavoro corporeo con pazienti psichiatrici”.Psicoterapeuta a orientamento analitico, docente incaricato Istituto Freudiano. Direttore didattico Master “Teatro nel Sociale e drammaterapia” dell’Università Sapienza di Roma. Presidente di Orma Fluens. Da circa venti anni conduce e coordina laboratori di teatro con pazienti psichiatrici in diverse strutture (Asl Roma C, Roma E, Roma H). Ha pubblicato diverse monografie sulla psicoanalisi dell’arte e sul teatro.

Il coreografo cileno e insegnante di danza nonché direttore artistico della Compagnia Atacama e del centro coreografico La Scatola dell’Arte di Roma  Ivan Truol sarà il relatore di La Danza della realtà. Parallelamente studia danza contemporanea e lavora con diverse compagnie tra cui: Miscrò Danza di E. Gonzalez, Laura Martorana, Naturalis Labor di Luciano Padovani, Sosta Palmizi (Roberto Castello, Giorgio Rossi), Adriana Borriello, Marie France Delieuvin, Corte Sconta di L. Balis e C. Romiti, Ron Howell, Sean Walsh. Dal 2011 partecipa al progetto “In scena diversamente insieme”, a cura di Alvaro Piccardi, con la finalità di integrazione sociale delle categorie sociali a rischio di emarginazione attraverso l’espressione artistica.

Dario D’Ambrosi ci parlerà di Teatro Patologico tra arte e follia. Creatore del Teatro Patologico, attore, regista, autore di spettacoli e film, Dario D’Ambrosi indaga la follia, quella vera dei malati, per ridare “dignità al matto”. Ha presentato i suoi lavori in tutta Europa e soprattutto negli Stati Uniti, a New York, Cleveland, San Francisco. Per il cinema ha lavorato con Mel Gibson, Anthony Hopkins, Jessica Lange, Sergio Castellitto, Ben Gazzara. Inoltre è uno dei protagonisti (Canton) della fortunata serie televisiva “Romanzo Criminale”.

SCARICA IL PROGRAMMA:programma Arti Sceniche Integrate


CINEMA ALL’ACCADEMIA DI SPAGNA: MASHROME FILM FEST E FESTIVAL CINEMASPAGNA

MASHROME FESTIVAL DAL 8 AL 11 MAGGIO.

IN ACCADEMIA GIORNO 9 DALLE ORE 10 ALLE 13 E DALLE 14 ALLE 16

CINEMASPAGNA DAL 9 AL 15 MAGGIO

IN ACCADEMIA GIORNO 10 MAGGIO ALLE ORE 12.

INGRESSO LIBERO FINO AD ESAURIMENTO POSTI

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MAshRome FF è il primo festival italiano dedicato al Mash up ed alla cultura del Remix e nasce con l’obiettivo di esplorare l’universo delle recenti produzioni audiovisive con particolare riferimento al Mash Up inteso nell’accezione di linguaggio capace di interpretare ed esprimere la contemporaneità in ambito artistico e culturale. Sperimentazione e contaminazione tra arti e generi sono i concetti chiave del festival che si aprirà al cinema nuovo, sperimentale.

Il Mash Up é un linguaggio che – mescolando immagini e suoni, estratti da sorgenti diverse – documentario, film d’animazione, film di finzione e contaminando arti diverse (cinema, arte contemporanea, fotografia, etc) crea una nuova opera. Ospite d’onore CARLOS AMORALES.

partecipano:

GYORGY  PALFI Regista
IURY LECH   Videoartista – Direttore del Festival Matadac
ISTVAN HORKAY  Regista
MARK MANDRIL FERRARIO  Artista
HAKAN BERBER   Regista

PAOLO PEVERINI     (Docente di “Semiotica dei Media” e di “Semiotica dei linguaggi specialistici” nel Dipartimento di Scienze Politiche della LUISS “Guido Carli”)
CARLA VISTARINI     (Scrittrice, Autrice televisiva, teatrale, musicale, sceneggiatrice)
MASSIMO PISTONE (Direttore Centro di studi e ricerca su “Comunicazione.  Audiovisivo e Reti” di Link Campus University di Roma, Scrittore)
ANTONIETTA DE LILLO (Regista e produttrice)
Modera
EMILIANA DE BLASIO

SCARICA IL PROGRAMMA DEL PANEL: PANEL REMIX IS EVERYWHERE 2013

PER ISCRIVERSI INVIARE MAIL A: redazione@mashrome.org

PIÙ INFO SU: www.mashrome.org

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Torna a Roma, dal 9 al 15 maggio, il Festival del cinema spagnolo giunto alla sua sesta edizione, fondato e diretto da Iris Martín-Peralta e Federico Sartori, che offrirà come di consueto al Cinema Farnese Persol di Campo de’ Fiori un ampio panorama sul cinema iberico e latinoamericano di qualità, dai classici alle ultime novità. Film di apertura del festival, il lungometraggio ‘Blancanieves’ di Pablo Berger, vincitore di 10 Premi Goya tra cui Miglior Film, Miglior Sceneggiatura e Miglior attrice emergente (Macarena García). Il film, che sarà distribuito in Italia il prossimo autunno, è un omaggio al cinema muto e in bianco e nero, ambientato nella Siviglia degli anni ‘20 e sarà presentato dall’attrice, cantante e ballerina Macarena García, volto noto della serie televisiva Amar en tiempos revueltos.

Tra gli ospiti attesi, il regista Xavi Puebla, che presenterà il suo terzo lungometraggio ‘A puerta fría’, interpretato, tra gli altri, da María Valverde e Nick Nolte, e il suo ultimo cortometraggio “Cartas desde la locura” (Lettere dalla follia).

Lettere dalla Follia : trent’anni dopo essere stata rinchiusa in un Manicomio a Ville Evràrd, l’amante di Auguste Rodin, Camille Claudel morì completamente sola, le lettere che scrisse non vennero mai spedite. Le poche che  a lei erano indirizzate non le vennero mai recapitate. venerdi 10 alle 12:00 presso la Reale Accademia di Spagna (ingresso gratuito).

SCARICA IL PROGRAMMA DI CINEMASPAGNA: Programma A4 cs2013 printable

PIÙ INFO SU: www.cinemaspagna.org


99 SONETTI ROMANESCHI: DAL ROMANESCO ALLO SPAGNOLO

99 SONETTI ROMANESCHI: DAL ROMANESCO ALLO SPAGNOLO continua il percorso spagnolo dei sonetti belliani iniziato mezzo secolo fa da Rafael Alberti

 7 maggio ore 18 INGRESSO LIBERO

 

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L’Accademia Reale di Spagna e il Centro Studi Giuseppe Gioachino Belli presentano, nella splendida cornice del salone dei ritratti, la traduzione in spagnolo di 99 Sonetti Romaneschi. A cura di Luigi Giuliani (Università Extremadura). Durante l’incontro intervengono Laura Biancini, Franco Onorati  e Eugenio Ragni

Alla fine della presentazione si terrà una lettura di alcuni sonetti in romanesco e in spagnolo.

In seguito vino d’onore

SINOSSI DEL LIBRO 99 SONETTI ROMANESCHI

Nel clima di chiusura culturale della Roma papalina, Giuseppe Gioachino Belli (1791-1863), un oscuro impiegato dell’amministrazione pontificia frequentatore di polverose accademie letterarie, scrive in maniera semiclandestina 2.279 sorprendenti sonetti in romanesco con l’intento dichiarato di costruire un “monumento” alla plebe della sua città. In ognuno di essi un narratore in prima persona ci parla di violenza, sesso, religione, della miseria, la morte e gli abusi del potere, toccando una vasta gamma di registri, da una comicità esplosiva alla più intensa meditazione filosofica.

L’insieme dei suoi versi costituisce  un’opera polifonica, impattante, atemporale, di altissima qualità poetica, un caso peculiare di uso letterario di una lingua subalterna che ci offre una visione “dal basso” delle grandezze e le miserie di una città e ci rivela gli impulsi più intimi e occulti delle nostre coscienze. Un capolavoro della poesia europea di tutti i tempi che presentiamo per la prima volta in un’antologia annotata che si rivolge ai lettori di lingua spagnola.

 

I relatori:

Franco Onorati

È socio e amministratore del Centro Studi G.G.Belli,; Vice Presidente del “Gruppo dei Romanisti”, collabora come redattore alla pubblicazione dell’antologia di scritti su Roma intitolata Strenna dei Romanisti. Nel  settore della letteratura in dialetto ha curato, con altri, l’opera omnia del poeta romano Mario dell’Arco (ed. Gangemi), editore per conto del quale ha in corso la pubblicazione del carteggio Leonardo Sciascia-Mario dell’Arco. Nell’àmbito belliano, si segnala il volume A teatro col Belli-Il sublime ridicolo del melodramma nei sonetti romaneschi (ed.Palombi). Nei “Quaderni  Leonardo Sciascia” ha pubblicato il volume La stagione romanesca di Leonardo Sciascia fra Pasolini e dell’Arco (2003). Nel 2010 ha curato l’antologia Belli da Roma all’Europa. I sonetti romaneschi nelle traduzioni del terzo millennio, che al suo interno presenta una sezione spagnola con traduzioni di Agustìn Garcìa Calvo, Carlos Germàn Belli e Luigi Giulani.

 

Laura Biancini

Per anni bibliotecaria alla Biblioteca Nazionale Centrale di Roma, ove è stata responsabile della Sala Romana. Nel 1994 ha partecipato, con altri studiosi, alla fondazione del Centro Studi G.G.Belli. Altre sue partecipazioni: dal 1997 fa parte del “Gruppo dei Romanisti”, dal 2003 è collaboratore scientifico dell’Istituto Nazionale di Studi Romani, dal 2009 fa parte dell’Associazione Mica Aurea (S.Cosimato in Trastevere), dal 2011 è socio corrispondente della Società Romana di Storia Patria

Oggetto degli studi e di varie pubblicazioni: G.G.Belli, storia del teatro, storia delle arti decorative a Roma, letteratura di viaggio. Collabora alle seguenti riviste specializzate: “RR:Roma nel Rinascimento”, “La Strenna dei Romanisti”, “Il Belli”, “Il 996″, “L’Apollo buongustaio”, “Rassegna storica per il Risorgimento”, Lazio ieri e oggi”

 

Luigi Giulani. (Roma, 1962)

Formatosi come ispanista (laurea all’Università La Sapienza e dottorato presso l’Universidad Autónoma de Barcelona), vive in Spagna da 24 anni. È docente dell’area di Teoria della letteratura e letteratura comparata dell’Universidad de Extremadura.

Membro sin dal 1991 del gruppo di ricerca Prolope, diretto da Alberto Blecua, nell’ambito dell’ispanismo ha pubblicato edizioni critiche di commedie di Lope de Vega (El casamiento en la muerte, El santo negro Rosambuco, El Nuevo Mundo), di liriche cancioneriles del Quattrocento (Juan de Tapia), delle novelle seicentesche di Juan Pérez de Montalban (Sucesos y prodigios de amor), oltre al recente volume delle Tragedie di Lupercio Leonardo de Argensola, edizione per cui ha ricevuto il Premio Rivadeneyra di critica testuale concesso dalla Real Academia.

Ha inoltre pubblicato numerosi studi e impartito conferenze sulle Crónicas de Indias, sul teatro del Siglo de Oro e, in un ambito più ampio e in un’ottica comparatistica, sul libro a stampa nell’Europa barocca, sulla teoria del teatro, sui romanzieri irlandesi e statunitensi contemporanei e sulla tradizione narrativa italoamericana.

Attualmente lavora a un’edizione critico-genetica di Roma, peligro para caminantes di Rafael Alberti.

È membro del Centro Studi G. G. Belli

 

Eugenio Ragni

Emiliano di nascita ma romano d’adozione, Eugenio Ragni è professore emerito di Letteratura italiana presso l’Università di Roma Tre. Ha lavorato per più di un trentennio, come redattore e collaboratore, all’Istituto dell’Enciclopedia Italiana Treccani, partecipando soprattutto all’Enciclopedia Dantesca. Ha al suo attivo più di centotrenta pubblicazioni, che spaziano da alcune lecturae Dantis ad edizioni commentate di autori moderni e contemporanei, con corpose incursioni critico-filologiche nel Rinascimento. Ha anche redatto per la Storia della letteratura italiana della Salerno Editrice un ampio panorama della narrativa italiana dal 1919 al 2000. Ha tenuto corsi in diverse università straniere, negli USA a Phoenix e Los Angeles, in Canada, in Argentina, in Nuova Zelanda. Ha maturato nel tempo la conoscenza dell’opera del Belli, cui ha dedicato numerosi saggi e ha edito una silloge di 600 sonetti per Zanichelli; approfondendo inoltre con vari saggi la conoscenza e l’indagine sul romanesco, studiando e presentando la produzione di altri poeti moderni e contemporanei.  Socio ordinario dell’Istituto Nazionale di Studi Romani, membro ordinario dell’Accademia dell’Arcadia, dell’Accademia Torricelliana di Faenza, del Gruppo dei Romanisti, socio fondatore del Centro Belli e caporedattore della rivista del Centro, «il 996», sta attualmente redigendo un lungo saggio su I papi del Belli, nel quale si propone di mettere a confronto le opinioni dei personaggi belliani e quelle degli storici sui sei pontefici che si sono succeduti sul soglio durante i 72 anni di vita del poeta.


IL TEATRO DI VALLE-INCLÁN IN ITALIA

CONFERENZA IN SPAGNOLO A CURA DI SANDRA DOMÍNGUEZ CARREIRO (UNIEVRSITÀ PER STRANIERI  DI PERUGIA)

22 APRILE ORE 19. INGRESSO LIBERO FINO AD ESAURIMENTO POSTI

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Il profondo e costante interesse che Valle-Inclán aveva verso l’arte e la cultura italiana si è palesato sin dall’inizio del suo percorso come scrittore. Basta ricordare la sua Sonata di Primavera, ambientata in Italia, la sua filiazione letteraria con autori tali Gabriele D’annunzio oppure le raccomandazioni ricorrenti che faceva ai pittori durante le discussioni al Nuovo Caffè di Levante per incoraggiarli a viaggiare nel Bel Paese con l’obiettivo di studiare l’arte primitivo e rinascimentale italiano.

Questo interesse continuo fu ripagato quando nel 1933 il governo della II repubblica le offrì l’incarico di direttore dell’Accademia Spagnola di Belle Arti a Roma, incarico che svolse fino al suo decesso del 5 gennaio nel 1936. Fu in questo periodo, nel 1934 per la precisione, che A.G. Bragaglia decise presentare la prima in Italia di un’opera drammatica dello scrittore:  Los cuernos de don Friolera, che riscuote un grande successo di affluenza di pubblico e della critica.

Da allora e fino ad oggi, molte opere teatrali dello scrittore hanno ripreso vita  in diversi teatri italiani , e di ciò  sono rimaste le testimonianze in annunci, informazioni giornalistiche, e rassegne critiche raccolte in riviste specializzate. Lo scopo di questa conferenza dunque è rivolto alla ricostruzione della fortuna scenica di Valle-Inclán in Italia, analizzando  alcune delle rappresentazioni più significative per capire come sono state adattate  da parte delle compagnie teatrali del paese, le difficoltà che hanno dovuto affrontare  gli attori e il  pubblico e le soluzioni dell’ applauso concesso in Italia a questo drammaturgo europeo imprescindibile del XX secolo

BIO DEL RELATORE:

Laureata in filologia ispanica, con il premio straordinario di Laurea presso l’Università di Santiago de Compostela (2003), dottoressa con la tesi di ricerca “El Gran Bufon: estudio e indices”, nel maggio  2011. Ha fatto parte del gruppo di ricerca “La obra de Valle-Inclan: estudios y ediciones criticas” e nell’attualità è collaboratrice del progetto “La obra y el legado manuscrito de Valle-Inclán: edición y estudios críticos”. Nell’attualità lavora come assegnista di ricerca  presso l’università per stranieri di Perugia con il progetto di ricerca “Cammini ideologici e spirituali di Ramon del Valle-Inclan: da Santiago a Roma” sotto  direzione della professoressa Dianella Gambini .


STORIA DEGLI ARTISTI SPAGNOLI A VIA MARGUTTA

STORIA DEGLI ARTISTI SPAGNOLI A VIA MARGUTTA

CONFERENZA A CURA DI VALENTINA MONCADA CURATRICE E GALLERISTA
11 APRILE ALLE ORE 19.
INGRESSO LIBERO FINO AD ESAURIMENTO POSTI
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Conferenza a cura di Valentina Moncada. Si tratterà di approfondire il ruolo della colonia spagnola di Via Margutta già a partire dagli inizi dell’Ottocento, analizzando in particolar modo gli artisti spagnoli che qui hanno avuto degli atelier, come i fratelli Josè e Mariano Benlliure, Josè Gallegos, Vincente March, Salvador Sanchez Barbudo, Mariano Barbasan, solo per citarne alcuni, per arrivare fino al novecento col grande Pablo Picasso. Inoltre, la conferenza approfondirà ulteriormente tutte le tematiche affrontate dagli artisti durante il loro soggiorno romano e dell’influente figura di Mariano Fortuny, attivo frequentatore dell’Associazione Artistica Internazionale che aveva la sua antica sede a via Margutta 54

VALENTINA MONCADA

Figlia di un fotografo di moda amante dell’arte, Valentina Moncada diventa presto protagonista del mondo dell’arte prima a New York, dove si forma e fa le sue prime esperienze, poi a Roma, dove apre la sua galleria nel 1990.

 Si laurea nel 1981 al Sarah Lawrence College, Bronxville di New York e dal 1982 al 1984 frequenta il Master of Art presso l’Institute of Fine Arts della New York University. Nel 1983 partecipa al concorso per “Curatorial Assistant” al “The Solomon R. Guggenheim Museum” (New York) per la mostra “Kandinsky in Paris”, vincendo il premio “Hilla von Rebay Fellowship“. Durante l’anno accademico 1984-1985 è assistente del prof. Ken Silver, docente di Storia dell’Arte presso la New York University, tenendo corsi regolari agli studenti del primo anno. Comincia da subito a lavorare nei più prestigiosi musei e gallerie di New York, conoscendo artisti e curatori famosi, tutti protagonisti di stagioni irripetibili, da cui acquisisce le conoscenze necessarie a gestire una galleria d’arte contemporanea. Nel 1985 lavora nel “Department of Community Education” del Metropolitan Museum of Art, New York, dove tiene anche diverse conferenze. Dal 1984 al 1989 collabora con la rivista “Segno“. Presenta alcune mostre per i cataloghi delle seguenti gallerie: L’Attico, Roma; Annina Nosei, New York; Runkel-Hue-Williams, Londra. Pubblica nel 1988 un saggio importante “The Painter’s Guide in the Cities of Venice and Padua” con la Cambridge University Press.

 E’ grazie al suo entusiasmo, al coraggio e alla costanza con cui ha sempre proposto mostre di altissimo livello che artisti sia affermati sia emergenti sono approdati nella Città Eterna da tutto il mondo. Il 3 ottobre 1990 Valentina Moncada inaugura la sua galleria romana in Via Margutta 54: da quel momento fino al 2012 ha presentato più di 80 mostre di artisti italiani ed internazionali. Tra queste molte sono state delle anteprime assolute in Italia e molti degli artisti esposti hanno raggiunto oggi notevole fama internazional


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MOSTRA ISLEART

ISLEART DAL 3 APRILE AL 8 MAGGIO

INGRESSO LIBERO

INAUGURAZIONE 3 APRILE ORE 19

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A cura di Gudi Moragues

 Promossa da Institut d’Estudis Baleàrics

Organizzata da  Institut d’Estudis Baleàrics e Real Academia de España en Roma.

 

La mostra ISLEART- ILLART vuole mostrare l’influenza della natura i dell’ambiente sulla creazione. I linguaggi utilizzati dagli artisti che la compongono evidenziano discorsi individuali sensitivi e divergenti, pero che, in modo innegabile, entrano in relazione con l’ambiente, la materia e la luce, costruendo processi interni in cui implicano la loro potente e a volte rigorosa iconografia personale. È in questo modo che artisti come Erwin Bechtold, Ñaco Fabré, Robert Ferrer i Martorell, Pep Llambías e Guillem Nadal –nati o particolarmente vincolati alle Isole Baleari– rispondono al progetto di questa mostra.
Tutti, nel trascorso delle loro traiettorie creative, hanno sviluppato tematiche e concetti sia personali sia radicati nella nostra realtà culturale, rendendo palesi le loro impronte significativamente rilevanti nell’ambito della plastica contemporanea.
Le Isole Baleari possiedono un marcato carattere di micro-mondo, considerato che l’isolano, forzato a un’autarchia relativa, ha sempre cercato di trovare in ognuna delle isole che compongono l’arcipelago le risorse necessarie per crearvi un piccolo universo proprio. È importante sottolineare il numeroso gruppo di notevoli artisti che, soprattutto durante il XX secolo, decisero di ormeggiare su queste isole che si schiudono in mezzo al mare luminoso, culla del Mediterraneo, portando a termine creazioni e linguaggi d’una magnificenza e personalità assolute.
Spesso le Isole Baleari sono state viste come il paradiso della pintura grazie alle straordinarie condizioni che vi propiziano la creatività. Durante il primo terzo del XX secolo, la sua proiezione internazionale e il trionfo di nuove correnti plastiche accentuarono ancora di più questo carattere.

Gli artisti venuti da altri cantoni che prestarono attenzione alla chiamata di queste nuove tendenze scoprirono le possibilità che offriva il paesaggio mediterraneo, che permetteva la sintesi di una scenografia nella quale si potevano combinare la misura dei classici e il colore dionisiaco di questo microcosmo, e non esitarono a radicarvisi, dando vita a una nutrita comunità pittorica che impulsò il fruttifero e rivoluzionario movimento culturale dell’epoca.
Una delle chiavi del suo innegabile fascino è l’aspetto di mosaico che palesa il nostro paesaggio. Un ambiente cantato e raccontato da artisti e poeti che, durante ogni tempo, si sono sentiti soggiogati dalla sua luce differente e mutevole che li ha stimolati e incitati fino a plasmare e codificare i suoi vibranti effetti e affetti.
Erwin Bechtold (Colonia, 1925) è uno dei veri artisti della plastica contemporanea grazie al suo contributo al mondo delle arti e alla sua grande capacità creativa, oltre che per la proiezione dei suoi lavori a livello internazionale.
La biografia spiega come inizialmente la sua traiettoria fu marcata dalla tradizione familiare, come figlio e pronipote di grandi impresari, pero la sua inquietudine creativa gli indicò successivamente nuovi traguardi da raggiungere. A Parigi continuerà la sua evoluzione artistica, dove lavorerà con Fernand Léger. Nel 1954 visiterà Ibiza, dopo essere passato per Barcellona, dove entrerà in contatto con il Gruppo Dau al Set, e per Madrid, dove entrerà in relazione con i componenti di El Paso. Tornerà in Germania, però nel 1958 s’insedierà definitivamente nell’isola bianca, senza interrompere mai i contatti con il mondo dell’arte internazionale; questa circostanza gli ha permesso d’instaurare, a partire dal proprio spazio fatto di pace, un dialogo perseverante con le tendenze più avanguardiste. Poco dopo il suo arrivo a Ibiza, formerà parte del Gruppo 59, in una delle epoche più algide della storia culturale e artistica della più grande delle isole Pitiuse.
Le opere di Bechtold corrispondenti alla tappa informalista (1957-1961) segnano i caratteri importanti della sua evoluzione creativa –vincolata alla prolungata permanenza a Berlino – e riflettono la sua grande personalità ed estrema sensibilità.
Il suo è un esercizio di poetica personale, nel quale l’artista si batte nel confronto. Utilizza il colore, le trame e lo spazio con deliberata arbitrarietà. Il suo linguaggio ponderato ed individualista incita, indica, offre, suggerisce…, dove la forma trova la perfetta ubiquità. Con sobrietà e saggezza divide gli spazi, marca i contrasti, definisce gli equilibri, assembla le superfici e sfuma la luce fino a reinventarla.

Ñaco Fabré (Palma, 1965) è uno dei nostri artisti di più solida traiettoria professionale e, per meriti propri, accademico della Reial Acadèmia de Belles Arts di Sant Sebastià di Palma. Nella pura astrazione lirica, l’insieme della sua opera incide nel sottile linguaggio di gesti e calligrafie, così come nella riflessiva preoccupazione per preservare il paesaggio e la natura. Della sua traiettoria, bisogna evidenziare la maniera e la forma, il concetto preclaro e la straordinaria cadenza del ritmo pittorico, così come la capacità di sopprimere tutto ciò che potrebbe risultare superfluo; questo metodo sintetico gli garantisce la lodevole fedeltà al proprio lavoro. Le sue creazioni sono esercizi codificati dalla memoria, sui quali disegna echi di vivenze per poter assumere con la sua personale nomina la sfocata complessità universale.
Lo sviluppo delle opere di Ñaco Fabré è il calcolo della contestualizzazione d’un linguaggio stabilito mediante un compatto ideogramma. Così, la sua ideologia fa riferimento a un organigramma composto dall’assemblaggio d’elementi stimolanti e attitudini cognitive che costituiscono le basi della sua rilevante essenza umanista.

Robert Ferrer i Martorell (Valencia, 1979). Se consideriamo la traiettoria di Robert Ferrer i Martorell, possiamo notare come la luce e il suo trattamento hanno rappresentato sempre un fattore essenziale per lo sviluppo della sua inquietudine creativa, prodotta a partire dal punto di vista dell’astrazione e delle tendenze minimaliste. Nei suoi piani, fecondati da un lavoro coerente e costruito con un metodo concettualmente specifico, prende in considerazione le relazioni delle idee tra di loro, così come la capacità di entrare in connessione con altre o di rifiutare certi tipi di unioni. In questo modo, l’artista realizza un’opera fatta di centri e di cerchi, di sfere e di spazi giratori, d’orbite e d’energia e, in modo particolare, di concentrata e potente luminosità.
In un mondo in cui trionfa la rapidità, Robert Ferrer i Martorell indaga accuratamente le azioni davvero importanti per l’essere umano, e si assicura che le emozioni, la luce e i suoni interni affiorino all’esterno. Così, esplora i cammini dell’immaginazione razionale, tesi tra il lirismo e la potenza vitale. Robert Ferrer i Martorell possiede la predisposizione e la virtù efficace di modellare o di produrre un effetto. Pensa, codifica, e alla fine distribuisce, in forma tanto radicale quanto amorosa, lo spazio nel quale installare migliaia di scintille catalizzatrici di luci e ombre. Il suo alfabeto è purista, di liturgia misteriosa e sensitiva, modulato da silenti spazi di tempo nei quali oscillano forme senza peso nate dalla realtà che, lanciate in forma geometrica, proporzionano un universo poeticamente astratto.
Luce plastica, luce reale, la luce sulla luce… in definitiva, luce che inonda il nostro mondo così spesso oscuro, non tanto in sé stesso quanto dentro di noi. Luce e colore, vita e atmosfera; chiarezza compositiva e criptografia formale… si fondono in un tutto magico.

Guillem Nadal_ illes V ed5_2009          erxin bechtold_Volumen rot_ 2008

Pep Llambías (Alaró, 1954). Durante il trascorso degli anni, Pep Llambías ha materializzato un discorso analitico e razionale nel quale prendono forma la più oggettiva, e allo stesso tempo, soggettiva di tutte le forme della realtà: il linguaggio, con un tacito omaggio alla sua struttura, visto che si tratta del fattore che determina il modo di pensare della comunità dei parlanti e che definisce il modo di percepire questa realtà e di interagirvi.
Le sue creazioni non sono una mera cronaca di fatti preteriti; anzi al contrario, l’artista costruisce costantemente un modello vitale e la sua evoluzione depurativa, quasi ascetica, palesa una crescita personale sommamente rappresentativa. Utilizza l’abecedario per formulare un linguaggio proprio, e dalla A alla Z, incide sull’inizio e sul finale cosmici dell’essere umano, cavallo di battaglia di tutta l’umanità.
Disegna con precisione il concetto. Grandi teste di agnelli silenziosi, muti osservatori di un mondo estraneo; superlative e bellissime rose, con cuori di neon; diafane superfici, dove il taglierino ha reciso parole dall’anima; tronchi d’alberi che, come se fossero una colonna vertebrale, sorreggono il peso emozionale, coronati da parole di contenuto simbolico.
In modo sensibilmente studiato, Pep Llambías crea una ferma scuderia di poesie visuali, e mette in scena le immagini di una narrativa assolutamente lirica nella quale intervengono due elementi fondamentali: la natura e il sentimento che, insieme alla parola, sono i motivi dei suoi codici, di quei codici processati durante anni di coerente bagaglio creativo, sottomesso a una tenace e costante indagine.

Guillem Nadal (Sant Llorenç, 1957). Ognuna delle attente manifestazioni plastiche dell’estensa traiettoria professionale di Guillem Nadal conferma il suo interessante contributo al mondo dell’arte. Nel suo lavoro, domina un teorema essenziale formato dal rigore pittorico e dal discorso intorno al viaggio individuale che realizza l’essere umano, di fronte ai principi fondamentali d’ordine e caos, materia e spirito, principio e finale… nell’incessante ricerca del proprio posto in un territorio sempre sconosciuto. Attraverso le sedimentate estensioni monocromatiche che esprimono il viscerale gesto dell’azione, Guillem Nadal racconta il suo paesaggio di mappe, terre, acque, cammini, traversate, o isole. Queste isole amate e nello stesso tempo dolorose, pietra di paragone a cui sempre ritorna l’isolano. Le isole di Guillem Nadal non sono geografiche, non si trovano negli oceani né nell’immaginazione, ma sono il soggetto di quei desiderati nuovi mondi in cui trovare spazi di serenità.
Mappe tracciate nella storia delle memorie sorgono dalle superfici dissodate. La preoccupazione per l’uomo e la terra è il messaggio che l’artista ci ha trasmesso attraverso la sua coerente traiettoria creativa. Chiostri, incognite, memorie, fossili, organismi in via di sviluppo, o processi di fattore ambientale, operativi o meno, secondo la loro incidenza, sugli esseri vivi. Questi fattori, che possono essere mutevoli e vengono rappresentati con diversa intensità nello spazio e nel tempo, sono l’interessante esercizio introspettivo dell’opera in cui riscontriamo una radicata espressione del sentimento.

naco fabre_ sin titulo 2011pep llambias_vida 2011Robert ferrer Martorell_ seri estacions 2010

Gli artisti che compongono IsleART approfondiscono, in modo rigoroso, nei campi dei moderni sistemi creativi e analitici delle relazioni. Guidano la pura manifestazione luminosa verso l’interiorizzazione visuale e il loro lavoro ci rimanda alla massima di Russell: “Ogni volta che qualcuno sentiva il desiderio d’intossicarsi celestialmente ricorreva alla musica. Però il colore e l’arte sono capaci tanto quanto la musica di procurare le maggiori estasi e piaceri”.


LETTURA DRAMMATIZZATA. ANDARE E TORNARE E RIANDARE

LUNEDI 25 MARZO. ORE 19

SALA CONFERENZE. INGRESSO LIBERO FINO AD ESAURIMENTO POSTI.

Alejandro Genes borsista per l’anno 2012-2013
in collaborazione i borsisti residenti: Oriol Saladrigues, Marisa Brugarolas, José Noguero e Cecilia Ardanaz, Voci Narranti.

lectura dramatizada Alejandro Genes

ANDARE E TORNARE E RIANDARE
Descrive la vita di quattro persone che vivono e attraversano periodi di crisi,
che fanno l’impossibile per sopravvivere,
la storia inizia verso la fine del 2001 con la peggiore crisi della storia Argentina,
fino all’attuale crisi europea.
Vedremo come migreranno, come cercheranno di fuggire dalla crisi,
e come se fosse un personaggio di un film del terrore, questa
li perseguiterà ovunque loro vadano.
Questa è la storia di Nicola, Vilma, Gina e Fabrizio

ALEJANDRO GENES  (Rosario, 1983) Argentino / Polaco.
Attore, Direttore Artistico, Drammaturgo, Regista

Tra i suoi maestri di teatro vi sono Ricardo Bartis, Raúl Serrano e Julio Chávez.
Si  forma presso la sua città natale con  Mirko Buchin, Bibiana Kiener de Ensinck, Gustavo Postiglione, Adrian Giampani

Studia presso la Escuela Provincial de Teatro Ambrosio Morante dove si è formato con Gustavo Di Pinto e Jorge Ferruchi.

Corso di Laurea in esibizione presso I.U.N.A. (Guillermo Flores, Martin Salazar, Eugenio Soto)

I suoi maestri in drammaturgia sono stati Alejandro Tantanian, Mauricio Kartun, Ricardo Halac.
Esegue Corsi in Laboratori di filosofia applicata al teatro con Horacio Banega.

Studia tecnica vocale con Rodolfo Vals e Sebastián Mazzoni,  forma parte del  Coro stabile del Teatro il Círculo de Rosario diretto da Cesar Spinelli.

Studia  danza Tap, Jazz e Classica nel Balletto Russo di Rosario con Tatiana Fesenko e Vasily Ostrovsky. Studia anche drammaturgia del teatro-danza con Susana Zimmermann

www.alejandrogenes.com.ar


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